La FuNdicIOn

2012-02-02T14:18:00.000-08:00

FESTIVAL DANTZALDIA 2012

5 de Febrero a las 20:00h /
Lugar: Palacio Euskalduna

Abou Lagraa - Ballet National Algérien (Francia-Argelia)
"Nya"

Nya consta de dos piezas, la primera bailada sobre los cánticos de Houria Aïchi y la segunda se apoya sobre el Boléro de Maurice Ravel.

Nya significa en árabe "tener confianza en la vida". Ello da el tono a esta pieza para diez bailarines de la Célula Contemporánea del Ballet Nacional Argelino.
Esta célula vio la luz en primavera de 2010, tras una audición nacional realizada por Abou y Nawal Lagraa entre los nuevos talentos argelinos. Aglutinando un bloque de formación y otro de creación se intenta fomentar los intercambios de obras coreográficas y sostener la profesionalización de los bailarines argelinos, apoyándose sobre todo en la formación.

Nya es una de las piezas creadas bajo el paraguas de Puente Cultural Mediterráneo, puesto en marcha por Abou y Nawal Lagraa, concebido como un programa trienal de cooperación franco-argelina.
El coreógrafo explica cómo Nya está ligada a lo divino, se transmite de padres a hijos desde la edad más tierna y forma parte del vocabulario de todos los días. «Con este talismán, aquél que ama tanto la belleza pura de las líneas como su posible carga emocional, juega a soldar ambas con la energía de los bailarines para mostrar la imagen potente y generosa de la juventud actual».

Intérpretes: Abderaouf Bouab, Mokhtar Boussouf, Ali Braïnis, Nassim Feddal, Oussama Kouadria, Bilel Madaci, Abdelghani Meslem, Salah Eddine Mechegueg, Zoubir Yahiaoui

Realizador: Thierry Teston Puesta en escena, coreografía y dirección artística: Abou Lagraa Escenografía: Gérard Garchey (iluminación), Michelle Amet (vestuario)
Escritura musical y compositores: Houria Aïchi (Cantos) y Maurice Ravel(Boléro)
Producción: Les Souffleurs de Vert Arreglos musicales de Chants d'Houria Aïchi: Eric AldéaProducción: Compagnie La Baraka

Coproducción: Agence Algérienne pour le Rayonnement Culturel
Communauté de communes du bassin d'Annonay (Résidence de création)
Le Pont Culturel Méditerranéen está sostenido por: Ministère de la Culture Algérien / Ballet National Algérien /Agence Algérienne pour le Rayonnement Culturel / Conseil de la Création Artistique - France (Volet pédagogique) / Fondation BNP Paribas / Conseils Généraux du Rhône et de l'Ardèche
Residencia: La compagnie La Baraka - Abou Lagraa está en Residencia de producción en Gémeaux, Scène Nationale de Sceaux de 2009 a 2011
La compañía La Baraka cuenta con el apoyo de: Le Ministère de la Culture - DRAC Rhône-Alpes / La Région Rhône-Alpes / Le Conseil Général du Rhône
Mecenazgo: Fondation BNP Paribas

Gira realizada con el apoyo del Instituto Francés y AARC, Algerien Agency for Cultural Broadcas

2012-02-02T14:06:00.000-08:00

Festival DANTZALDIA 2012

3 - 4 de Febrero a las 20:00h

LE LABORATOIRE DE RECHERCHE CHORÉGRAPHIQUE SANS FRONTIÈRES MALANDAIN BALLET DE BIARRITZ /

GAËL DOMENGER

Un coup de dés jamais n´abolira le hasard"

Le laboratoire de recherche chorégraphique sans frontières del Malandain Ballet de Biarritz propone, a partir del texto de Stéphane Mallarmé, un encuentro a:

Gaspar Claus (violonchelista y compositor), Gaël Domenger (bailarín y coreógrafo), Aymeric Reumaux (artista multimedia) y Jean-claude Asquié (creador de iluminación),

Un coup de dés jamais n'abolira le hasardEste último texto de Stéphane Mallarmé que se publicó por primera vez en la revista Cosmopolis en mayo de 1897, y que fué calificado por Paul Claudel como « gran poèma tipográfico y cosmogónico » es una larga reflexión filosófica y poética sobre el espacio y el tiempo, una especie de gran viaje contra el viento hacia el origen de todas las cosas. Nos invita a soltar amarras y a aceptar la desorientación hasta el vértigo, jugando con el lenguaje y la memoria como si se tratara de los dados de su título. En las paginas blancas Stéphane Mallarmé organiza las palabras como si las llevara a un escenario para hacerles jugar unas con otras, y para moverlas a través del espacio que él dispone entre ellas. Estas palabras, sometidas a una coreografía minuciosamente marcada, se cruzan, se descruzan, se alejan y se acercan, proponen variaciones de sentido con sus asociaciones y distanciamientos.......

Impiden gracias a sus danzas la organización de un relato, para aceptar que aparezcan imágenes como espejismos en medio de un desierto del que preservan la limpieza. El autor de « l'après midi d'un faune » que inspira la danza y la música, demuestra con este texto que ha mantenido a través del tiempo la íntima relación con estas artes, porque es como profeta preclaro que llega a rendir homenaje, con 50 años de adelanto, a los métodos de composición nacidos de la colaboración entre Merce Cunningham et de John Cage. Su texto podría igualmente percibirse como una partitura coreográfica o musical de cualquiera de estos dos artistas memorables. Es por este estimulo que se reúnen Gaspar Claus, Gaël Domenger, Aymeric Reumaux y Jean-claude Asquié para trabajar juntos y poner en parelelo sus respectivas lecturas de este texto, proponiendo una visión prismática que debe resbalarse entre los dedos como tiempo y abrirse al horizonte en una línea infinita.

Dantzaldia 2011

2012-01-20T11:16:00.001-08:00

Miradas singulares miradas plurales. Volvemos a encontrarnos en "lo mas crudo del invierno" y, a pesar de la que está cayendo, o en paralelo a la que está cayendo, o a la contra, o precisamente por... en esta edición hay muchas cosas que descubrir, que discutir, que disfrutar, que elaborar, que compartir... piezas experiencia, piezas homenaje, piezas lúdicas, de documental irónico, de sociología llevada a escena, de recuerdo, de contemplación... Y también la idea de tender puentes hacia lugares y estructuras cercanas cruzando fronteras, para crear complicidades, complicidades que ayudarán a la profesión, que nos ayudarán a todos a conectar más, a mejorar la visibilidad, a trabajar en equipo en la distancia...

Es el caso de Gaël Domenguer, con una pieza producida por el "laboratoire de recherche chorégraphique sans frontières del Malandain Ballet Biarritz", en un intercambio que ya ha llevado compañías locales a esta ciudad vecina.También de al lado viene el francés Abou Lagraa en una pieza de colaboración con el Ballet National Algerien, un torrente de energía con lecturas muy sorprendentes de músicas que conocemos bien. Rocío Molina, Premio Nacional de Danza, juega con el reto de sobrepasar sus propios límites con el vino como tema. Mizel Théret ha querido rendir homenaje (que en Bilbao es doble por su relación con los Ballets de Olaeta) a la edad, a las fuentes y a la transmisión, con tres bailarines que fueron alumnos de Segundo Olaeta en su tiempo de exilio. Pierre Rigal con su ironía habitual nos cuenta la historia del "homo erectus". Bastardproduktions nos ofrece tarta y café. Sharon Fridman nos acompaña con sus proyectos en movimiento. Y Sonia Gómez nos cuenta sus experiencias con "desconocidos". • Los cursos, las clases abiertas y los encuentros con los profesionales serán los puentes de proximidad del festival.• El cine tambien vuelve a estar presente, gracias a la colaboración de ZINEBI, esta vez "rodeado" de otros artistas visuales en la Sala REKALDE.Todos los espacios, todos los creadores y el equipo del festival os esperamos. Las miradas singulares y plurales al encuentro de las vuestras.

LICENCIADA SOTELO e Compañía / Ourense

2012-01-20T10:53:00.001-08:00

27 - 28 de Enero a las 20:00h. / 29 de Enero a las 19:00 h

LICENCIADA SOTELO e Compañía / Ourense
"Usted está aquí"

Hemos partido de la diferencia entre información y comunicación, el juego deliberado y la relación fortuita entre estas dos formas de transmitir algo.
La información es afirmativa, no admite discusión; el que informa sabe cómo son las cosas, tiene claro un mensaje, se sitúa por encima.
La palabra comunicación viene de común. El que transmite quiere poner algo "en común" con el otro, se sitúa en su nivel, da por sentado que el otro es igual, busca la complicidad y la implicación.
Desde la escena, más que tratar de hacer participar al espectador, trataremos de involucrarlo, buscando una credibilidad o verosimilitud, más que una veracidad.
Desde los intérpretes se muestra deliberadamente una ambigüedad que difumina los límites de la realidad y la representación, dónde comienza una o termina la otra, qué es "verdad" o "mentira", qué es más natural o improvisado y en dónde reside concretamente lo "artificial", el artificio implícito en cualquier representación, porque además, ¿tiene alguna importancia saber qué es qué? ¿Dónde empieza la danza y dónde termina el teatro, qué parte de realidad o ficción hay en un personaje, en una persona? Ana Vallés

Nada de lo que se haga merece la pena, nada está realzado por ningún signo sustancial, la "realidad" se inscribe en el dominio de la insensatez.
Cioran "Del inconveniente de haber nacido"

Dirección y creación: Ana Vallés
Interpretación: Natxo Montero y Nuria Sotelo
Diseño de iluminación: Miguel Muñoz
Textos: Ana Vallés, Natxo Montero, Nuria Sotelo, Beatriz Preciado ( cita de Testo Yonki)
Selección musical: Ana Vallés e Rubén Vilanova (Verdi, Shostakovich,Gorecki, Mahler, A. Álvarez e colage)
Escenografía y vestuario: Licenciada Sotelo e compañía
Asistente de dirección: Rubén Vilanova
Técnico de iluminación: Diego Villar
Técnico de son: Rubén Vilanova
Sastra: Ana Reino
Comunicación (fotografía, vídeo y diseño gráfico): Grismedio Studio
Producción ejecutiva: Victor López Carbajales y Rubén Vilanova
Distribución: Victor Lopéz Carbajales
Coproducen: Nuria Sotelo y Rubén Vilanova
Colaboran: AGADIC, Salón Teatro, Baleiro, USC, Anquín Torre S.L, Matarile Teatro, Imgrafor e Grismedio Studio.

Agradecimientos: Celso, Aser ,Toña, Rosa, Baltasar Patiño, RTA, Luisa, equipo técnico AGADIC, Abraham, Suca e July de San Lourenzo, Danie , J.C. Zahera, María, Beatriz, Nafatalina.

Nuria Sotelo
Estudia danza clásica de los 7 a los 18 años.
En el transcurso de sus estudios de veterinaria, entra en contacto con la danza contemporánea a través de Chevi Muraday y del Aula de Danza de la Universidad de Santiago de Compostela. Forma
parte de las Aulas de Teatro de las Universidades de Santiago de Compostela y de Ourense.
Ha sido bailarina del Centro Coreográfico Galego, de las compañías Experimentadanza, Caleac Teatro, Femme Fatale, Teatro Resoante y Elefante Elegante.
Ha participado en proyectos de diversos artistas: Coriolano de Jurij Konjar, Movementos en ruta de Carlota Pérez, O viaxeiro de Fernado Dacosta.
Acaba de crear su primer solo «métanse nos seus asuntos» con la colaboración y dirección de Ana Vallés

Natxo Montero
En el 2008 crea su propia compañia en Bilbao.
Su primera pieza CUADRA-T, fue presentada ese mismo año en el Certamen Coreográfico de Madrid siendo galardonada con tres premios. Tras más de 35 actuaciones en distintos festivales y teatros, tanto de ámbito nacional como internacional, CUADRA-T es una pieza que sigue en activo y está programada para futuros festivales.
Su segundo trabajo, Carni di prima qualità, se presenta al completo en el otoño del 2010.

Ana Vallés
Autora, directora de teatro y actriz.
Llega al teatro a través de un taller de construcción de marionetas creado con Baltasar Patiño en 1982.
Con él funda en 1986 la compañía Matarile Teatro, en 1993 el Teatro Galán y en 1995 el Festival Internacional de Danza En Pé de Pedra. De estos últimos fue responsable de programación.
Empieza a dirigir en 1991, con ANDANTE. Desde entonces fue la directora y autora de todos los espectáculos de Matarile.
Ha dirigido también para otras compañías, entre ellas: Provisional Danza, Centro Dramático Galego, Teatro de La Abadía
Algunos Premios
PREMIO DE HONRA ABRENTE en la Mostra Internacional de Teatro MIT de Rivadavia 20010
HOMENAJE DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO Y ARTES DE CALLE TAC de Valladolid 2008
VI PREMIO MARUXA VILLANUEVA de Interpretación Teatral 2006
PREMIO MARÍA CASARES de Teatro a la Mejor Dirección del Teatro Galego 1999 por The Queen is Dead
PREMIO COMPOSTELA DE TEATRO a la Mejor Dirección del Teatro Galego 1991 por Café Acústico

IDO FEDER & DAVID MARQUES /Lisboa-Tel-Aviv

2012-01-20T10:50:00.000-08:00

RESIDENCIAS Invierno 2012
21 de Enero a las 20:00h / 22 de Enero a las 19:00h / Danza

IDO FEDER & DAVID MARQUES / Lisboa-Tel-Aviv
"Bête de Scène"

Soy un animal de escena
Esa especie que habita en los escenarios
En nuestra mano está el poder de dar cuerpo a la apariencia
Así, la muerte forma parte de la bio-teatro-logía
Podemos solo amar, podéis mirarnos

En Bête de Scène (animal del escena) los intérpretes están encerrados entre el "ser" y el "representar"; atrapados en metáforas y espectáculos; confunden lo privado y lo performativo. A pesar de todo, quieren contar una historia; cuestionar su habilidad; confesar cómo han llegado a ser Bête de Scène

Coreografía e interpretación: Ido Feder & David Marques
Residencias: SUMMER STUDIOS 2010 (Brussels), EIRA (Lisboa),
LA FUNDICION (Bilbao)
Con el apoyo: Step Beyond - European Cultural Foundation, Fundação Calouste Gulbenkian
Diseño gráfico: Noa Klugman
Agradecimientos: Centre Chorégraphique National de Montpellier, Shop 31, Luis Ayet, Francisco Camacho, Varinia Canto Vila, Paulo Guerreiro, Shir Hacham, Rita Quaglia.

IDO FEDER
1985, Israel. Se formó en la escuela de artes, especializándose en teatro. Fué a vivir a Holanda para proseguir estudios de danza en la Academia de Dança de Roterdão (Codarts). Trabajó con coreógrafos como: Itzik Galili, Paul Selwyn Norton, Jack Gallagher, Liat Waysbort. Participó en la plataforma para jóvenes coreógrafos ‘One Night's Dance', en Dansateliers Rotterdam. Trabajó como asistente de Annemie Vanackere, directora artística del Schouwburg Rotterdam (Teatro Nacional) y con Ong Keng Sen (encenógrafo) en el ámbito del laboratório para los artistas del festival 'De Internationale Keuze'. En 2009/2010 asistió al curso e.x.er.c.e. en el Centre National Chorégraphique de Montpellier, dirigido por Mathilde Monnier. Aqui contactó con diversos artistas: Mark Tompkins, Loic Touzé, Charles Atlas, Lisa Nelson, entre otros. Paralelamente a la danza, Ido continua sus estudios en Filosofia (Mestrado - MA) en la Universidad de Tel-Aviv.

DAVID MARQUES
1985, Portugal. Licenciado en Danza, Especialidad Espectáculo, por la Escola Superior de Dança, en Lisboa. En 20009/2010 asistió a la formación ex.e.r.ce, dirigida por Mathilde Monnier, Centre Choréraphique National, Montpellier, Francia. En este ámbito recibió una beca de la Fundação Calouste Gulbenkian.
Comenzó a desarrollar su trabajo coreográfico en 2007 con el apoyo de EIRA, en Lisboa, y desde entonces sus piezas se han presentado en Portugal, España, Francia, Bélgica, Ucrânia e Israel.
En 2011 hizo una adaptación coreografica de 'Conquest', un solo de Deborah Hay en el marco de PORTO SOLO COMISSION PROJECT producido por la Fundaçao de Serralves en colaboración con la Associação Cultural Circular. Para este projecto recibió el apoyo de la Secretaria de Estado da Cultura/Direcçao-Geral das Artes (Portugal).
Como intérprete ha colaborado con Lígia Teixeira, Patrícia Milheiro, Francisco Camacho, Vera Mota y Filipa Francisco.

2012-01-20T10:44:00.000-08:00

13 – 14 de Enero a las 20:00h / 15 de Enero a las 19:00h
EL CANTO DE LA CABRA / Avila
“Tierra pisada, por donde se anda, camino”

¿Podría un ojo distraído ver el vuelo de una hoja hoy que todo nace para morir inmediatamente?

Hay novecientos hilos negros colgados del techo.Al principio no se ven.Cada hilo tiene un nudo, novecientos nudos.Al principio no se ven.Hay tijeras y flores.Muertas. Flores muertas.A la derecha se proyectan imágenes: cerraduras, candados, agujeros, cuerdas, clavos, cruces… y a la izquierda el texto dividido en tres actos.Las flores han sido recogidas una a una en los campos, en los viveros, en las floristerías, en los parques, en cada ciudad…, cientos de flores.Las flores han sido cosidas con aguja e hilo, una a una, un bosque de flores.Las tijeras han sido compradas en las tiendas de chinos, una a una,varias tiendas, un bosque de tijeras.Los hilos que al principio no se ven se empezaron a colgar dos díasantes.Los nudos aún no se han terminado.

Creación y realización: Elisa Gálvez y Juan Úbeda

Producción: El Canto de la Cabra

Colaboran: Comunidad de Madrid, INAEM. Ministerio de Cultura.

El Canto de la Cabra

En 1993 Elisa Gálvez y Juan Úbeda crean El Canto de la Cabra y, con este mismo nombre que les acompañará hasta la actualidad, abren en el centro de Madrid un espacio para las artes escénicas. En esta década, trabajan con Federico del Barrio: Viaje al Tártaro, Caín o ¿Qué? Nada, y con textos de Samuel Beckett y Thomas Bernhard. En julio de 1995, vallan una pequeña plaza madrileña en estado de abandono y realizan cincuenta y cinco funciones de Esperando a Godot. Continuarán todos los veranos programandoesa plaza y transformándola en un espacio escénico hasta agostode 2008.En noviembre de 2003 estrenan en El Canto de la Cabra Los días que todo va bien, su primer trabajo creado desde la escena, sin la figura del director ni la del autor y sin más intérpretes que ellos; en esta misma línea, tres años después, estrenan Trece años sin aceitunas. Obras publicadas en la colección Pliegos de Teatro y Danza.En enero de 2009 cierran la sala, dejan Madrid, y se desplazan a Becedas (Ávila). Allí acondicionan un espacio donde poder seguir desarrollando su trabajo:En enero de 2011 estrenan Tierra pisada, por donde se anda, camino en el Teatro Pradillo, Festival Escena Contemporánea, Madrid. Esta obra es la culminación de un proceso de trabajo iniciado en 2009 y que se ha mostrado en sus diferentes fases en dos ocasiones: en La Nave de Cambaleo de Aranjuez (mayo de 2009) dentro del proyecto Cuando todo esto haya terminado, de Carlos Sarrió, bajo el título de Hilos y ausencias, y en junio de 2010, durante la celebración de la Gran Convocatoria Mundial organizada por La Tristura en el Centro Autogestionado La Tabacalera de Lavapiés, bajo el título de Naturaleza muerta.

ONIRICA TEATRO / Murcia "Circo Submarino"

2012-01-20T10:29:00.000-08:00

TEATRO FAMILIAR

Viernes 16, Sábado 17 de Diciembre
a las 20:00h - Domingo 18 de Diciember a las 19:00h
ONIRICA TEATRO / Murcia
"Circo Submarino"
Público familiar a partir de 7 años / 50 min.

Circo submarino es un sorprendente, divertido y reflexivo circo contemporáneo de objetos, marionetas y autómatas para un presentador con agallas y un manipulador marino.¡Cojan aire porque nuestro espectáculo comienza a 200 metros de profundidad!

Señoras y señores, bienvenidos al gran Circo Submarino. Un circo con:Malabaristas de palabras, Ladrones de Aire, Hombres payaso, magos capaces de hacer desaparecer bosques, fieras humanas..., Un catálogo de seres extraños: El hombre que todo lo sabe, la mujer de Hielo...Seres que algún día poblaron la Tierra.Niños y niñas, bienvenidos al mejor espectáculo de fracasos del mundo submarino, al circo de los olvidados...Pasen y vean todas las miserias de la última especie extinguida.El Ser Humano.

¿Por qué el mundo del Circo? Por su sentido del RIESGO Y el EQUILIBRIO...

Hombre sin agallas: Jesús Nieto

Manipulador Humano: Sergio García / Nico García

Técnico marino: Paloma Parra / Sergio García

Diseño de iluminación: Paloma Parra

Construcción circo: Ferroluar

Producción: Onírica Mecánica

Un espectáculo creado por: Jesús Nieto

GRÁFICA GÉNESIS / Costa Rica "Homotextural"

2011-12-08T11:40:00.001-08:00

Sábado 10 de Diciembre a las 20:00h / Domingo 11 de Diciembre a las 19:00h / DANZA

GRÁFICA GÉNESIS / Costa Rica

"Homotextural"Homotextual es una pieza unipersonal en un solo acto, que expone el tema de la humanidad como parte de un sistema que encasilla a hombres y mujeres a cumplir con procesos ya definidos, determinándoles a roles, estereotipos, condicio-nes sociales, tradiciones, costumbres, idiosincrasias establecidas y sistematizadas que forman parte de una (sociedad normal).Creado por el autor con el fin de generar un matiz psicológico de acercamiento con el público, manipulando positivamente puntos semióticos característicos en los aspectos homotextuales: Búsqueda de la identidad, alteración deltemperamento, puntos de referencia parecidos a la personalidad del intérprete e identificación con algún punto de referencia llamado público, entre otros.

Este es un proyecto con perspectiva social de género, basado en la danza-teatro, que expone la condición masculina y femenina estereotipada en la sociedad civil, que limita al ser humano y le restringe su elección de ser, traspasa la línea de búsqueda de identidad como personas y expone la necesidad de confirmación como seres auténticos.

Dirección y Coreografía: Francisco CentenoIntérprete: Adrián Figueroa R.Asesoría en dramaturgia: Ofir LeónComposición Musical Original y Edición: José DuarteVoz en Off: Alfonso SolanoCreación Audiovisual: Anthony SharpeDiseño de Vestuario: Francisco Centeno y Adrián Figueroa R.Creación de Vestuario: Rosaura MezaDiseño de Espacio Escénico: Francisco CentenoDiseño de Imagen: Gráfica GénesisDiseño Gráfico: Gráfica Génesis, Rigoberto GutiérrezFotografía de Afiche: José MoyaExhibición de Fotos: David FernándezDiseño de Luces: Francisco Centeno y Nereo SalazarLuminotecnia: Gráfica GénesisProducción General: Gráfica Génesis, Ricardo Alfieri Comunicación y Difusión: Sylvia Sossa y José Martínez

Fiesta de Aniversario 25 Años de Fundición

2011-12-08T11:19:00.000-08:00

25 Años de La FuNdicIOn: Fiesta de aniversario

La FuNdicIOn -en 25 urte: Urteurren jaia

AGUPACION Sr. SERRANO/ "Memo

2011-11-24T13:10:00.000-08:00

CIRCUITO RED DE TEATROS ALTERNATIVOS

Viernes 25, Sábado 26 de Noviembre a las 20:00h

Domingo 27 de Noviembre a las 19:00h / TEATRO-DANZA

AGUPACION Sr. SERRANO/ Barcelona

"Memo"

Interpretada por tres performers, diez magnetófonos, un vídeo VHS, una sandwichera eléctrica y decenas de globos hinchables, MEMO explora los mecanismos de construcción de la memoria a través de una puesta en escena apoyada en la danza, la creación sonora y el vídeo en directo.

Una determinada experiencia pone en marcha nuestro cerebro y de golpe queda fijada como recuerdo en nuestra memoria. En un primer momento parece que el recuerdo es fijo, pero las imágenes que atesoramos con voluntad inmutable cambian constantemente: son contaminadas por nuevas experiencias, alteradas por elementos de otros recuerdos parecidos y peinadas por el tiempo.

MEMO sucede en la Sección de Cumpleaños Singulares de la Memoria de una persona cualquiera, donde tres individuos esperan pacientemente la entrada de las experiencias de esta persona y se encargan de construir, mantener y transmitir sus recuerdos, en una lucha constante para conservarlos inmutables. Y es que, seguramente, esta lucha contra la inexorable caducidad de los recuerdos, a pesar de saberla estéril y abocada al fracaso, está en el núcleo de aquello que nos define como seres.

Como es habitual en las producciones de la Agrupación Señor Serrano, MEMO se formaliza a través de la mezcla de lenguajes y disciplinas. Un grupo de tres bailarines-performers conforma el cuerpo físico de la pieza, a través de la coreografía y, sobre todo, de partituras de movimiento y acción. Son ellos los que soportan el peso principal de la dramaturgia a partir de la ejecución de las diferentes escenas, basadas en la manipulación de objetos, coreografías, elementos multimedia y otros recursos físicos y visuales.

Como ha sido recurrente en nuestra trayectoria, la captura de vídeo en vivo y la aplicación de efectos de imagen en tiempo real es una de las herramientas más destacables de la pieza, aumentando, fraccionando, multiplicando o deformando aquello que sucede en escena para añadir significado a la acción.

El resultado final de MEMO es el de una pieza de teatro visual/danza con predominio de la composición plástica, sonora y gestual.

Dirección: Àlex Serrano

Dramaturgia: Pau Palacios y Àlex Serrano

Performers - Colaboradores en la creación: Diego Anido, Susana Gómez y Claudia SolWat

Aplicación interactiva de vídeo: Martí Sánchez Fibla

Coreografía: Claudia SolWat

Espacio sonoro y música: Sebastián García Ferro

Diseño de iluminación - Vestuario: Isabel Franco

Ayudante de dirección - Producción: Barbara Bloin y Pablo Rosal

Creación de vídeos: Josep Maria Marimon

Asesor del proyecto: Víctor Molina

Agradecimientos: Pau Bachero, Sol Picó Cia de Dansa, Heroínas de la cultura, Color Impar y Anna Díaz Laudo

Una producción de Agrupación Señor Serrano y Centre d'Arts Escèniques de Terrassa (CAET)

Con el apoyo del CoNCA (Consell Nacional de la Cultura i les Arts - Generalitat de Catalunya)

Proyecto ganador del Premio a Proyecto de Escenificación 2010 del Institut del Teatre de Barcelona

La Agrupación Señor Serrano es compañía residente del centro para el desarrollo de las artes L'Estruch de Sabadell

2011-11-18T07:29:00.000-08:00

Viernes 18, Sábado 19 de Noviembre a las 19:00h

Domingo 20 de Noviembre a las 18:00h / TEATRO

CHÉVERE/ Santiago de Compostela

"CITIZEN"

CITIZEN I - CITIZEN II - CITIZEN III

Versión completa e íntegra de Citizen, un espectáculo de 3 horas y 15 minutos de duración con 2 intermedios.

El Proyecto

Después del trabajo realizado con Testosterona sobre identidad y construcción de género, el nuevo proyecto de creación escénica de Chévere para 2011 es CITIZEN. Se trata de poner en práctica nuevos procesos de trabajo y producción, combi-nando la apuesta por la investigación con la necesidad de obtener unos resultados de cara al público.

El proyecto completo de Citizen está estructurado en tres partes, en tres espectáculos autónomos de pequeño y mediano formato, que se fueron haciendo y estrenando a lo largo de la temporada 2010-2011 como si se tratase de una obra de teatro por episodios. Cada uno de ellos es la continuación y la consecuencia del anterior. Y, al final, la suma de los tres supondrá un nuevo espectáculo de mayor

formato.

Citizen se inspira en el Citizen Kane de Orson Welles. Esta película cuenta la historia de Charles Foster Kane, un empresario norteamericano de la comunicación que llegó a ser una de las personas más ricas y poderosas del mundo en el primer tercio del siglo XX. Nuestra obra cuenta la historia de A.O., un empresario gallego del textil que se convierte en una de las personas más ricas del mundo en el último tercio del siglo XX.

DE QUÉ HABLA CITIZEN?

Citizen habla de la construcción de un imperio económico desde la periferia. Habla de cómo utilizar lo que nos ofrece la historia en beneficio propio, de cómo se construye la realidad como si se tratase de un culebrón. Citizen es la biografía no autorizada e inventada de un personaje real llamado Amancio Ortega, dueño de Inditex, más conocida como Zara. De esta manera, Citizen se convierte en una buena disculpa para hablar, ironizar y cuestionar los efectos de la globalización en

relación con nuestras identidades individuales y colectivas.

CITIZEN I (Mayorías silenciosas) (75 min)

Nos sitúa en ese momento iniciático que tiene toda gran aventura. Cuando es difícil separar la realidad de los sueños. La verdad, de la invención. El teatro, de la vida. Pero también es una historia de la Transición, contra la Transición. Estamos en 1975. Franco ha muerto. Todo tendría que cambiar. Ella está exactamente donde hay que estar. Él no tiene posición. Ella es de un lugar del que viene hu-yendo. Él no sabe ni de dónde viene, pero sabe exactamente a dónde quiere llegar...

Citizen I es un trabajo hecho con la palabra y el texto, pero también opera con cámaras en directo y proyecciones para mostrar la construcción de realidades paralelas y contradictorias. Citizen I se estrenó en la Sala Nasa de Santiago de Compostela el 6 de octubre de 2010.

CITIZEN II (Made in Galiza) (65 min)

Es una obra hecha desde el cuerpo de cuatro actrices para contar, con muy pocas palabras, lo que fue el trabajo de miles de mujeres anónimas en talleres semiclandestinos durante los años 80 y 90. Esa parte de la historia que nadie cuenta y que permitió el crecimiento y la expansión inicial de Zara. Citizen II se estrenó el 24 de noviembre de 2010 en la Sala Nasa.

CITIZEN III (Wii economía) (65 min)

Es un ejercicio de economía-ficción. Trabajar con la más pura actualidad para llevar lo real al escenario de la ficción teatral.

Habla de la crisis económica, de las consecuencias que no tuvo, del colapso del capitalismo y del fin de la globalización. Citizen III se estrenó el 3 de febrero de 2011 en la Sala Nasa.

En marzo de 2011, en la Sala Nasa se puso en escena la versión completa e íntegra de Citizen, un espectáculo de 3 horas y 15 minutos de duración con 2 intermedios.

Una creación: Chévere, compañía residente en la Sala NASA

En escena: Patricia de Lorenzo, Manuel Cortés, Miguel de Lira, Mónica García, Arantza Villar, Nekane Fernández, Iván Marcos

Dramaturgia y dirección: Xron

Movimiento escénico: Rut Balbís

Guión: MCortés

Arreglos sonoros: Xacobe Martínez Antelo

Vídeos: Oroboro Films, Quadra producións

Sonido/proyecciones: Xacobo Castro

Iluminación: Dr. Cabaleiro

Locutores informativo: Monti Castiñeiras, Iria Pinheiro

Producción: Juancho Gianzo

Comunicación: Xana García

Diseño gráfico: Fausto Isorna

Economistas colaboradores: Xosé Manuel Beiras, Xavier Vence,

Lidia Senra, Fernando García Tobío

Con el apoyo de: AGADIC, Concello de Santiago de Compostela, INAEM

Nuestro agradecimiento a Óscar, Paco Bixou, Lola, Dominga, Amalia, Estrella, a las cooperativistas de Harmonía y Millenium, al Padre Jorge, a Belén, a Fátima.

Encuentro In-formal con Chevere

2011-11-18T07:23:00.000-08:00

Jueves 17 a las19:00h Entrada Libre

Encuentro In-formal con los Chévere antes de ver su Citizen en La Fundición

CHÉVERE/ Santiago de Compostela

"Cuando damos la cara nos va de culo, pero es que no tenemos buen perfil"

Los Chévere llevamos casi 25 años tratando de encontrar nuestro mejor perfil, pero al final siempre acabamos dando la cara. Y cuanto más damos la cara más nos va de culo. Cuando tocaba subirse al carro de las grandes celebraciones socialistas abrimos una sala alternativa a la que llamamos la Nasa. Cuando nos hubiese correspondido acceder a lo contemporáneo nos inclinamos por lo cómico e hicimos una de vaqueros. Cuando aún no estaban de moda los musicales montamos una opereta pop. Cuando ya sólo funcionaban las comedias con famosetes nos empezamos a poner serios. Cuando ayudamos a jubilar a Don Manuel no aprovechamos las circunstacias bipartitas. Cuando volvieron los del PP y resistimos nos acusaron de terroristas. Y cuando tuvimos que cerrar la sala se enteraron los de la CNT y nos llamaron explotadores. Ahora teníamos que montar uno de esos espectáculos muy progres y muy bien hechos que tanto gustan en Madrid o en Barcelona, aprovechando la crisis para ponernos del lado de los buenos con un par de reflexiones ingeniosas, y nos ha salido un bio-pic un poco minimalista del tipo este que se forró con lo de Zara, una cosa entre graciosa, documental y emotiva, pero invendible porque dura más de tres horas e intraducible porque por mucho que hablemos en español, esto sigue sonando a gallego cerrado.

2011-11-18T07:20:00.001-08:00

Viernes 11, Sábado 12 de Noviembre a las 20:00h.

Domingo 13 de Noviembre a las 19:00h / DANZA-TEATRO

Cia. IKER GÓMEZ / Barcelona

"La Danza del Cisne" el ballet en miniatura
En esta pieza escénica, el coreógrafo y vídeo-realizador Iker Gómez reinterpreta en un código contemporáneo al ave más preciada del ballet: el manido cisne.

Tres intérpretes, arquitectura e integración del video en la acción escénica, danza contemporánea, teatro físico, música en directo, texto, activismo existencial y una inevitable dosis de humor para desarrollar todo un ballet en miniatura: La Danza del Cisne.

"Una calculada progresión del espectáculo que va ganando en interés y en fuerza, la manera sutil pero decidida en que va evolucionando el papel que juega la intérprete que le acompaña y el fantástico e ingenioso entorno audiovisual de gran riqueza y expresividad a partir de elementos tan simples como una manada de cisnes de origami, además de un gran acierto que engancha al espectador, nos desvela a un coreógrafo contemporáneo con las claves fundamentales para unir la eficacia y la emotividad del conjunto de una obra".

Kyriaki Cristoforidi / crítica e historiadora de artes escénicas

Dirección/ Video/ Coreografía: Iker GómezMúsica: Nerea Alberdi. Libre interpretación de "El Lago de los Cisnes" de TchaikovskyIntérpretes en escena: Iker Gómez / Nerea AlberdiVideo intérprete: Pili AbaurreaDiseño de luces: Daniel CaballeroCoproducción: CAET - Fábrica TNT/ AREAtangentSoporte: Centro Coreográfico Galego/ La Casa Encendida/ Aula de Danza de Alcalá de Henares

Agradecimientos: Ana Belén/ Cristina/ Raquel/ Pepe/ Carolina/ Maral/ Laura/ Manu/ Agu/ Pili

Iker GómezComienza sus estudios en el País Vasco dividiendo su tiempo entre la Universidad de Bellas Artes y el Estudio de Danza.Completa su formación con un postgraduado en el Institut del Teatre de la Diputació de Barcelona donde pasa a formar parte de la compañía del Institut-ITDansa.Durante cinco años, desarrolla su carrera como bailarín profesional en teatros europeos como el Ballet Nacional de Suiza o el Regensurg Tanztheater, teniendo oportunidad de trabajar con coreógrafos internacionales de diferentes estilos como Jiry kilyam, Stjin Cellis, Rui Horta, Wim Vandekeybus o Jo Stromgrem, entre otros.Motivado por la inquietud de conocer nuevas tendencias y estilos coreográficos, abandonala estructura de los grandes teatros para saltar al mercado europeo de las compañías freelance.En este nuevo marco comienza a trabajar estrechamente con los coreógrafos y directores, enfocando su carrera hacia la dirección escénica, la coreografía y las artes audiovisuales.En este periodo, centra su trabajo en investigar y profundizar la doble perspectiva que le aporta el movimiento de la cámara, desarrollando posibilidades cinematográficas, que aplicadas a la composi¬ción coreográfica, le permiten enmarcar la danza, el teatro y la acción en escena

en un nuevo espacio y contexto.

Cía. LEIRE ITUARTE

2011-11-03T04:40:00.000-07:00

FESTIVAL BAD 2011

Jueves 3 de Noviembre a las 19:00h / DANZA

Cia Leire Ituarte / Bilbao

"@leph"

El @leph, una minúscula esfera de apenas dos o tres centímetros de diámetro brinda al espectador la posibilidad de contemplar, sin disminución de tamaño, el espacio cósmico en su totalidad. La fantasía panóptica de una aventura proporcional a su posibilidad para imaginar y explorar otros mundos y otros planetas. Un viaje virtual y solitario de posibilidades, una simulación de individuos, encuentros, realidades, laberintos y espejos que se reduplican. Hasta que el viajero extenuado comprueba, desconcertado frente a la realidad del simulacro, que en el @leph también él está siendo observado.

Concepto & Dirección: Leire Ituarte

Interpretación: Gustavo Gorosito, Nélida Ranedo

Coreografía: Leire Ituarte, Gustavo Gorosito, Nélida Ranedo

Iluminación: Gabo Punzo

Concepción vídeo: Leire Ituarte, Adrián Hernández

Videocreación:Adrián HernándezEspacio Sonoro: Edu Zallio

Arreglos sonoros: Ahoztar Larrea

Construcción escenográfica: Gabo Punzo

Vestuario&Estilismo: KataKlismo

Fotografía: Adrián Hernández

Texto: Jorge Luis Borges

Locución: Gabi Ocina

Producción: Flakos'

Producciones Creativas Elkartea
Colaboran: La Fundición, Dpto de Cultura del Gobierno Vasco
Agradecimientos: U.P.V (Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación)

Esta creación ha participado en el Programa de Residencias Artísticas de La Fundición

@leph rinde tributo a los laberintos de Borges y el "Panóptico" de Michel Foucault como metáforas visionarias de la expansión de la red cibernética, entendida no sólo como utopía virtual de un viaje inmóvil a través de realidades múltiples, simultaneidad de tiempos, espacios y posibilidades sino como dispositivo disciplinario de vigilancia y control de las nuevas tecnologías del poder en la cultura del simulacro. También reflexiona sobre los efectos que ese imaginario virtual de mundos posibles ha ejercido sobre el concepto mismo de "realidad" que heredamos de la época moderna. La simulación digital de la realidad, tras alcanzar cotas de perfección hasta ahora inimaginables, es responsable de que en la era del simulacro lo "real" -reducido a utopía, objeto perdido- y lo "virtual" -en tanto que ilusión o simulacro de lo "real"- se hayan convertido en categorías intercambiables. La confusión entre lo real y lo virtual, el original y la copia, el mapa y el territorio ha penetrado en las narrativas posmodernas como ansiedad colectiva y leitmotiv recurrente del desvanecimiento de "lo real" mismo y sus efectos colaterales en el "debilitamiento" de las viejas coordenadas identitarias del sujeto moderno. @leph también se pregunta, por tanto, sobre la nueva condición del sujeto posmoderno atrapado en el laberinto cibernético a partir de un trabajo de exploración en torno a la manipulación tecnológica de los cuerpos y la confusión y los límites, cada vez más difusos, entre el cuerpo virtual y el cuerpo real, el cuerpo artificial y el cuerpo natural, el cuerpo mecánico y el cuerpo biológico; una reflexión, en última instancia, sobre el desvanecimiento del cuerpo mismo o sobre la cada vez más apremiante concepción de éste como simulación generada y manipulada por control remoto.

HENRIK KAALUND / "DreaMe"

2011-10-25T01:30:00.000-07:00

FESTIVAL BAD 2011 / DANZA
Lunes 31 Oct. - Martes 1 de Nov. a las 19:00 h

HENRIK KAALUND / COPENHAGUE-BERLÍN
"DreaMe"

DreaMe trata de la interacción entre la realidad y la realidad deseada. Presta especial atención a los ideales del éxito y de la belleza, tal y como nos los dictan los medios de comunicación. ¿Cómo hacer frente a esta presión creciente? Y, ¿cómo de grande es el margen dentro del cual me puedo mover, sin dejar de ser fiel a mí mismo?
En la superficie de proyección de la parte posterior del escenario, aparecen dobles del artista, como identidades-fantasma. Los dobles representan los ideales, valores y metas de la mujer real creados artificialmente, por un lado, y las necesidades de su subconsciente por el otro. Su problema es diferenciar entre su identidad verdadera y la artificial. Y eso no es tarea fácil, porque incluso si algo de lo que representan los dobles puede resultar falso, parte de lo que son se deriva de las necesidades básicas y deseos de la persona real, que no está en contacto con ellos y mucho menos capaz de controlarlos. Naturalmente, esto lleva a conflictos, visibles en esta configuración como la lucha entre la persona en el escenario y sus apariciones vídeo. Durante el curso de la pieza, llegamos a conocer a tres vídeo-identidades o personajes principales, algunos más fuertes que otros. Después de un tiempo estos personajes son capaces de traspasar el mundo del vídeo y presentarse en vivo en el escenario, en el cuerpo del intérprete.
La obra hace uso de una configuración técnica que permite la sincronización exacta entre el video, sonido y iluminación. De esta manera se puede utilizar técnicas similares a las utilizadas en el cine y la televisión para introducir cortes marcados en las imágenes presentadas en vivo en el escenario y en la pantalla de proyección. Esto presenta un reto para el intérprete en escena: tiene que cambiar de personaje en un instante, "saltando" de su papel a la imagen de vídeo, aprovechando un "oscuro" durante un momento, o entrar detrás de la pantalla en el momento exacto en que su vídeo-imagen aparece...
Los elementos escénicos, el video y el sonido juegan un papel tan importante como el movimiento. Cada uno de ellos crea una serie de acontecimientos, a veces independientes de los otros medios. Para la intérprete, sin embargo, son rivales ante su intento de posicionarse.

Idea, coreografía, video, texto: Henrik Kaalund
Interpretación: Catherine Jodoin
Creación sonora: Michael Haves
Fotografía: Christian Glaus

Henrik Kaalund, bailarín y coreógrafo danés que vive ahora en Berlín.
Su formación profesional se completó en la John Cranko School, Stuttgart and David Howards School of dance, New York, y con le Cleveland ballet, Ballet Arizona, Basel Ballet, Dormunt Ballet, donde trabajó con Rui Horta, Amanda Miller, Mei Homg Lin y Jean Renshaw entre otros.
Ha bailado con las compañías de Conny Jansen Danst-Rotterdam, Jan Pusch-Hamburgo, Felix Landerer-Hannover, Pieter de Ruiter-Amsterdam, entre otras. Ha creado coreografías para el Dormunt Ballet, Ballet Hildesheim, Ballet Greifswald en varias ocasiones y ha ganado varios premios como coreógrafo y bailarin en Hannover, Leipzig, Burgos, Atenas

MARCO CANALE / “La Puta y el Gigante”

2011-10-25T01:28:00.000-07:00

FESTIVAL BAD 2011
Sábado 29, Domingo 30 de Octubre las 19:00h /TEATRO

MARCO CANALE / Guatemala
“La puta y el gigante”

En 2009 el autor y director Marco Canale acude a un taller impartido por Angélica Liddell en Guatemala. Se plantea entonces abordar una escritura en la que la ficción queda relegada por lo autobiográfico y lo real. Ese mismo año viaja al sur de Colombia y escribe La puta y el gigante. Unos meses más tarde decide representarla él mismo, poniendo su cuerpo y su voz sobre el escenario.

“La obra nace de la acción de buscar una y otra vez artículos de El País en Internet, siguiendo los nombres de las diferentes masacres perpetradas en Colombia por paramilitares durante el gobierno de Álvaro Uribe, sin encontrar prácticamente ninguna. Y pensar que son demasiados cuerpos torturados y asesinados como para que se trate de un descuido.
La economía y sus muertos. Y el silencio.

Texto, interpretación y dirección: Marco Canale
Ayudante de dirección e interpretación: Patricia Orantes
Iluminación: Fernando Renjifo
Producción: Marco Canale y Escena Contemporánea
Con el apoyo de Iberescena
Obra publicada en la colección Artezblai

Agradecimientos: Yosú y PCN (Proceso de Comunidades Negras), Pepe Henríquez, Laura Corcuera, Alberto Nuñez y Equipo Escena Contemporánea, Charo Francés, Sara Rosenberg, Iberscena, Mark James Maughan, Hanna Cuenca, Andrés Asturias, Ian Ingelmo, Ruben Ávila, Carlos Gil, Elena Ros, Lucas Vermal, Celina Tolosa y Agustina Ramos Mejías.

Marco Canale
Marco Canale (Buenos Aires, 1977) reside desde 2001 en Madrid y desde 2008 entre Guatemala y España. Se licenció en Dramaturgia en la RESAD y ha estrenado o publicado sus obras en España, Argentina, Marruecos, Francia y Guatemala.

Lo político y lo autobiográfico atraviesan su obra, compuesta por títulos como La bala en el vientre, centrada en el conflicto vasco (V Premio Madrid Sur de Textos Teatrales); Evita Montonera, sobre la lucha armada en Argentina (Finalista del Premio Born); Piel de rinoceronte, escrita junto a Alberto Conejero y Julio Salvatierra, centrada en la decisión personal y política de migrar (estrenada en el Festival Thas Arts de Marruecos, 2008); El duelo, estrenada en la Muestra de las Autonomías del Círculo de Bellas Artes; y La alambrada, (accésit del XVI Premio SGAE, estrenada en el Teatro Beckett de Buenos Aires y presentada en el XXIII Festival Iberoamericano de Cádiz).

Desde el año 2007 colabora como dramaturgo y director en procesos colectivos con actrices no profesionales y grupos políticos, donde ahonda en la relación entre la biografía y lo político. Colabora a su vez con grupos indígenas mayas mam de resistencia contra la Mina Marlin (de la minera canadiense Goldcorp), con la Red de mujeres mayas ixiles y con el grupo de jóvenes teatreros de la comunidad kaqchikel de Santa María de Jesús (Guatemala).

BEA FERNÁNDEZ / "Tres personas, todos los cuerpos"

2011-10-25T01:26:00.000-07:00

FESTIVAL BAD 2011
Viernes 28 de Octubre a las 19:00h / DANZA

BEA FERNÁNDEZ / Barcelona
"Tres personas, todos los cuerpos"

El proyecto que presenta Bea Fernández surge de un interés por compartir su experiencia como intérprete con otros intérpretes, de un interés en profundizar sobre ciertos temas, que a la hora de hablar de la creación, quedan en un segundo lugar o en una capa oculta. El proyecto contiene dos vías de comunicación y exploración que se presentan paralelamente: la pieza escénica (Tres personas, todos los cuerpos) y la instalación (Los que se ven entre sí).

Tres personas somos Monse Penela, Mauricio González y Bea Fernández, más todos los cuerpos que hemos revisado del pasado para versionarlos en el presente desde diferentes perspectivas.
Somos muchos cuerpos, tantos como hemos bailado.
Somos trocitos y cuerpos de otros, somos los restos de esos cuerpos que se nos han quedado pegados y sus versiones futuras, su memoria transformada.

LA MEMORIA DEL CUERPO DEL BAILARÍN
La pieza se construye en la suma de tres intervenciones solitarias sobre la base de la memoria del cuerpo del bailarín como archivo vivo de datos y recuerdos transitados a lo largo de su trayectoria profesional, y la identificación de cada uno con esas materias desde el presente. Creamos un mosaico de restos de cuerpos del pasado, un espacio de tiempo real donde se insertan los espacios de memoria, cuerpos vividos en otras piezas pasadas o restos de trabajos que nunca se enseñaron.

Idea y dirección: Bea Fernández
Creación e interpretación: Bea Fernández, Mauricio González, Montse Penela
Iluminación: Jeroen Smits
Producción ejecutiva: Paloma Gueilburt
Una producción de: Las Santas

Proyecto subvencionado por: EADC, Generalitat de Catalunya; ICUB, Ajuntament de Barcelona. Producido por Las Santas y La Porta - Espacios cómodos 2009 (Barcelona).
Coproducido por: Programa de residencias DAT / ETC (Las Palmas)
Con la colaboración de: La Caldera, Cel•lula Pontós, L'animal a l'esquena, l'Estruch de l'Ajuntament de Sabadell, Las Fernández, Institut Ramon Llull y Canarias CREA.

BEA FERNÁNDEZ / "Los que se ven entre sí"

2011-10-25T01:24:00.000-07:00

FESTIVAL BAD 2011
Jueves 27 de Octubre a las 17:00h./ VÍDEO DOCUMENTAL
ENTRADA LIEBRE

BEA FERNÁNDEZ / Barcelona
"Los que se ven entre sí"

A partir de las conversaciones con 16 intérpretes de diferentes ámbitos de la creación actual, se ha producido un documento que relaciona estas diferentes perspectivas sobre la figura del intérprete (sobre su relación con la creación, con el autor, sobre el significado actual de las huellas que quedan de los diferentes trabajos y la utilización de éstas y otras influencias, sobre su relación con la escena y con el público). Un documento que puede acercarnos a través de un recorrido a esa otra mirada (más interna?), y que recoge diferentes experiencias y cuestiones sobre la creación y el hecho escénico.

Entrevistados: Africa Navarro, Natali Labiano, Carme Torrent, Gema Díaz, Mercè Recacha, Mònica Muntaner, Sílvia Sant Funk, Jordi Casanovas, Norberto Llopis, Mauricio González, Jesús Barranco, Raquel Sánchez, Amalia Fernández, Lola Giménez, Monse Penela, Sofía Asencio.

Idea y dirección: Bea Fernández
Cámara edición: Elena Albert
Realización: Bea Fernández y Elena Albert
Producción ejecutiva: Paloma Gueilburt
Una producción de: Las Santas

Apoyos a la creación y residencias: El Hueco, Encuentros en Magalia, Cèl•lula Pontós, La Porta - espacio cómodo'08

ROBERTO MARTINEZ -"Endless noise"

2011-10-25T01:18:00.000-07:00

FESTIVAL BAD 2011
RESIDENCIA de Bilboeszena / ENTRADA LIBRE
Miercoles 26 a las19:00h / DANZA

ROBERTO MARTINEZ - La Rioja
"Endless noise" (título provisional)

Un Proyecto en Proceso, de Roberto Martínez, codirigido junto aAbraham Hurtado, con música en directo de Pablo Peña y vestuario / decorado de Alberto "sinpatron".

Con este trabajo exploramos el estado físico que se genera a través de acciones continuas, buscando el límite del impulso que ha producido la propia accion. Esta experiencia nos coloca en un punto en el que nos dejamos llevar por un viaje a paisajes ficticios donde el acto litúrgico se convierte en algo cotidiano, ofreciéndonos la posibilidad de poder acercarnos a la persona que hay detrás de la acción.
La excitación, Kandinsky escritor, el folklore, el aquí y el ahora, la extenuación o Blade Runner fueron algunos de los primeros motores de investigación de este ejercicio de percepción, deconstrucción y reflexion sobre el significado de "estar presente" donde el movimiento y la música actúan como nuevos motores para propulsar el viaje.

Cía. Camerino 4 "Ánima"

2011-10-11T03:35:00.000-07:00

Programa: II CIRCUITO IBEROAMERICANO DE LA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS
Sábado 15 de Octubre a las 20:00h.
Domingo 16 de Octubre a las 19:00h / DANZA

Cía. CAMERINO 4 / Méjico
“Ánima”

El alma es una dimensión del cuerpo.
ANIMA es una reflexión coreográfica física y teórica acerca del alma. En cada presentación recibe nuevas ideas acerca de ella, dado que diferentes grupos de personas estarán participando en un CHAT en línea que se proyecta durante la función.
Por eso es una pieza donde intervienen intérpretes reales e intérpretes virtuales. Los personajes virtuales que participan del chat van cambiando en cada función, proceden de diferentes disciplinas creando enfoques muy diversos en torno al alma que van alimentando la obra, presentación tras presentación.
A nivel coreográfico, la pieza narra el encuentro de un hombre con su parte femenina y su parte masculina generando así un estado donde conecta con su alma.

Dirección y Coreografía: Magdalena Brezzo
Intérpretes: Flor Garfias, Francisco Córdova, Tlathui Maza*
Coordinadora del chat: Haydé Lachino
Diseño sonoro: Eduardo Flores
Diseño de iluminación: Magdalena Brezzo
Diseño de vestuario: C4
Entrenamiento: Beto Pérez
Producción: C4 y Coordinación Nacional de Danza, INBA.
Manager: Tristana Silvart
Dirección de la Compañía C4: Magdalena Brezzo

* Becario FONCA Programa Creadores Escénicos Emisión 2010 - 2011

Festejando sus 10 años de trayectoria, Camerino 4 logra ocupar una posición destacada dentro de la danza contemporánea en México. Desde el 2007, la compañía comienza a proyectarse internacionalmente siendo invitada entre otros, al Sziget Festival (Hungría), a la Bienal de Danza del Caribe (Cuba), al Festival Cádiz en Danza (España), al Fórum Internacional de Dança de Sao Paulo (Brasil) y al Chase Latino Festival (Nueva York), donde le comisionan la obra "Acrílico".

Hasta la fecha ha recibido en cuatro ocasiones y con diferentes obras el Premio Nacional de Danza INBA-UAM, el premio a la composición coreográfica más destacado del país, obteniéndolo la última vez en noviembre 2009 con la obra Lola. Sus ejecutantes también se adjudicaron diversos premios y reconocimientos.
A pesar de ser una compañía independiente, durante toda su trayectoria ha sido apoyada por instituciones y organismos gubernamentales para nuevas producciones y con becas económicas para sus integrantes.

PROGRAMA DE TEATRO AMATEUR

2011-10-07T02:48:00.000-07:00

Teatro aficionado con esencia de mujer
Programa de Teatro AMATEUR

Creaciones en femenino, basadas en el bagaje de experiencias que habita en los cuerpos, en la
voz y en la palabra de mujeres adultas…. Ellas, pilar silencioso de la sociedad que hacen teatro
para saber de qué se compone la mágia.

Sábado 1 de Octubre a las 20:00 h
Cía de teatro LUNA LLENA / Bilbao
“Habéis visto mi grito”

Domingo 2 de Octubre a las 19:00 h
Cía de teatro HEZGAITZ / Getxo
“Exiliadas”

Sábado 8 de Octubre a las 20:00h.
TOTUM Teatro
"De 16:00... a 18:00h."

Domingo 9 de Octubre a las 19:00h.
Compañía de Teatro BURBUJAS
“Nunca nos regalaron flores”

PROGRAMA- OCTUBRE-NOVIEMBRE-DICIEMBRE 2011

2011-09-19T11:42:00.000-07:00

Open publication - Free publishing - More 2011

PROGRAMA- OCTUBRE-NOVIEMBRE DICIEMBRE

Octubre 1 a las 20:00h.

Programa:Teatro Amateur

LUNA LLENA / BILBAO

Octubre 2 a las 19:00h.

Programa: TEATRO AMATEUR

HEGAITZ / GETXO

Octubre 8 a las 20:00h.

Programa: TEATRO AMATEUR

TOTUM TEATRO / BILBAO

Octubre 9 a las 19:00h.

Programa: TEATRO AMATEUR

BURBUJAS TEATRO / BILBAO

Octubre 15 las 20:00h. / 16 a las 19:00h.

DANZA

CAMERINO 4 / MÉJICO

Octubre 26 a las 19:00h. Entrada libre

BAD. Bilbao Antzerkia Dantza

ROBERTO MARTÍNEZ / LA RIOJA

Octubre 27 a las 17:00h. Entrada libre

BAD. Bilbao Antzerkia Dantza

BEA FERNÁNDEZ / BARCELONA

Octubre 28 a las 19:00h.

BAD. Bilbao Antzerkia Dantza

BEA FERNÁNDEZ / BARCELONA

Octubre 29 / 30 a las 19:00h.

BAD. Bilbao Antzerkia Dantza

MARCO CANALE / GUATEMALA

Octubre 31 + Noviembre 1 a las 19:00h.

BAD. Bilbao Antzerkia Dantza

HENRIK KAALUND / COPENHAGUE-BERLÍN

Noviembre 3 a las 19:00h.

BAD. Bilbao Antzerkia Dantza

LEIRE ITUARTE / BILBAO

Noviembre 5 / 6 a las 19:00h.

BAD. Bilbao Antzerkia Dantza

ARCADI ZAIDES / ISRAEL

Noviembre 11 / 12 a las 19:00h. / 13 a las 20:00h.

DANZA-TEATRO

IKER GÓMEZ / BARCELONA

Noviembre 17 las 19:00h. / ENTRADA LIBRE

TEATRO-CONFERENCIA

CHÉVERE / SANTIAGO DE COMPOSTELA

Noviembre 18 / 19 / a las 19:00h. / 20 a las 18:00h.

TEATRO

CHÉVERE / SANTIAGO DE COMPOSTELA

Noviembre 25 / 26 a las 20:00h. / 27 a las 19:00h.

DANZA-TEATRO

AGRUPACIÓN SEÑOR SERRANO / BARCELONA

Diciembre 10 a las 20:00h. / 11 a las 19:00h.

DANZA

GRÁFICA GÉNESIS / COSTA RICA

Diciembre 16 / 17 a las 20:00h. / 18 a las 19:00h.

Teatro Familiar

ONIRICA MECÁNICA / MURCIA

2011-08-09T05:00:00.001-07:00

25 de FuNdicIOn - 1986- 2011

2011-08-04T14:50:00.000-07:00

EL LABORATOIRE DE RECHERCHE CHORÉGRAPHIQUE SANS FRONTIÈRES DE MALANDAIN BALLET BIARRITZ Y LA FUNDICIÓN DE BILBAO PRESENTAN :

CONVOCATORIA

REGARDS CROISÉS / MIRADAS CRUZADAS / BEGIRADA GURUTZATUAK

Desde 2007, y con el apoyo del Fondo Interreg IV A, el Centre Chorégraphique National Malandain Ballet Biarritz y el Teatro Victoria Eugenia de Donostia-San Sebastián desarrollan actividades en torno a la danza entre Biarritz y San Sebastián. En 2011, oficializan su colaboración con la firma de un convenio entre las ciudades Biarritz-San Sebastián dando lugar así al primer Centre Chorégraphique Transfrontalier d'Europe : Ballet T.

En el marco de este nuevo proyecto, el Centre Chorégraphique Transfrontalier Ballet T, quiere favorecer el arte de la coreografía y saliendo de Biarritz, extender el ámbito de acción en el Pais Vasco.

Por iniciativa del Institut Français de Bilbao se pone en marcha una colaboración con la Fundición para la presentación de dos compañías, que tras convocatoria abierta, serán propuestas por el C.C.T-Ballet T. y La Fundición.

El proyecto consiste en la organización de una presentación global de sus trabajos, con ensayos abiertos, talleres y espectáculos. Los talleres serán organizados por Le Laboratoire Chorégraphique Sans Frontières, dirigido por Gaël Domenger y se dirigirán a un público de amateurs, de pre-profesionales y de profesionales de todos los horizontes artisticos.

PLANNING DE LAS INTERVENCIONES E INFORMACIONES PRÁCTICAS
13 enero 2012 / 19h / Estudio de la Gare du Midi de Biarritz

Ensayo abierto. Presentación de un extracto de la pieza de cada compañía (30 minutos por compañía). Conversación con el público. Taller o encuentro con los componentes del Laboratoire Chorégraphique Sans Frontières y con su responsable Gaël Domenger.

Sabado 14 enero 2012 / 20h / Théâtre du Colisée de BiarritzEspectáculo de la primera compañía
Domindo 15 enero 2012 / 20h/ Théâtre du Colisée de BiarritzEspectáculo de la segunda compañía

- « Regards Croisés » cubre los gastos de cada compañía hasta un máximo de 2.500 € (dependiendo del nº de personas) + el alojamiento

- Envío de propuestas hasta el 3 de septiembre a:
La Fundición info@lafindicion.org

El proyecto « Regards croisés » será la ocasión de crear una nueva dinámica, en el marco del Centre Chorégraphique Transfrontalier / Ballet T, entre Biarritz y Bilbao pasando por San Sebastián, para encontrarse con nuevos públicos e intercambiar prácticas de danza.

Residencia OLATZ DE ANDRÉS "Privolva" / Agosto 2011

2011-08-03T15:41:00.000-07:00

Residencia Técnica LA FUNDICIÓN - Bilbao

Agosto 2011

Olatz De Andrés

"Privolva" toma como marco de trabajo el género cinematográfico de la ciencia ficción. La ciencia ficción entendida como ficción especulativa basada en las narraciones imaginarias que no pueden darse en el mundo que conocemos debido a una transformación del escenario narrativo. El proyecto se interesa por la SCI-FI en su frontera con el género fantástico, descartando sus aspectos científicos y tecnológicos.

Parte de una selección de referentes cinematográficos del género para indagar en su tratamiento sobre el cuerpo natural y artificial, sobre el tiempo y su posible manipulación, los espacios paralelos, lo real y lo imaginario.

Se construye a partir de una serie de impulsos utópicos que imaginan realidades diferentes a la actual en una comunicación con lo otro, expresión de un mundo posible, según Deleuze. En estos espacios utópicos juega con preguntas como ¿qué pueden los cuerpos? ¿qué futuro les espera a los cuerpos humanos y no humanos? ¿Qué pertenece a la naturaleza y qué a la cultura en la construcción de los cuerpos?¿Se pueden modificar los límites del cuerpo?

El proyecto también investiga cómo trasladar mecanismos y recursos del medio cinematográfico al escénico. La sonoridad y la palabra en OFF acompañan la acción escénica construyendo a través de lo auditivo un contexto invisible.

Dirección: Olatz De Andrés

Creación e interpretación: Pilar Andrés, Isaak Erdoiza, Olatz De Andrés

Asistencia externa: Igor de Quadra

Sonido: Jose Urréjola

Vestuario: Leire Orella

Iluminación: Gabo Punzo

Producción: Muelle 3

Residencia artística: L’Animal a l’Esquena

Esta creación ha participado en el Programa de Residencias Artísticas de La Fundición

Se llama Privolva al lado de la luna que no podemos ver desde aquí (Somniun, Kepler).

Leire Ituarte "@leph" / Residencia 2011 / Julio 2011

2011-07-29T11:50:00.000-07:00

La FuNdicIOn Bilbao 2011
Programa de Residencia Artistica
Residencia de Creación / Julio - 011

Leire Ituarte

@leph rinde tributo a los laberintos de Borges y el “Panóptico” de Michel Foucault como metáforas visionarias de la expansión de la red cibernética, entendida no sólo como utopía virtual de un viaje inmóvil a través de realidades múltiples, simultaneidad de tiempos, espacios y posibilidades sino como dispositivo disciplinario de vigilancia y control de las nuevas tecnologías del poder en la cultura del simulacro.
También reflexiona sobre los efectos que ese imaginario virtual de mundos posibles ha ejercido sobre el concepto mismo de “realidad” que heredamos de la época moderna. La simulación digital de la realidad, tras alcanzar cotas de perfección hasta ahora inimaginables, es responsable de que en la era del simulacro lo “real” –reducido a utopía, objeto perdido- y lo “virtual” –en tanto que ilusión o simulacro de lo “real”- se hayan convertido en categorías intercambiables. La confusión entre lo real y lo virtual, el original y la copia, el mapa y el territorio ha penetrado en las narrativas posmodernas como ansiedad colectiva y leitmotiv recurrente del desvanecimiento de “lo real” mismo y sus efectos colaterales en el “debilitamiento” de las viejas coordenadas identitarias del sujeto moderno. @leph también se pregunta, por tanto, sobre la nueva condición del sujeto posmoderno atrapado en el laberinto cibernético a partir de un trabajo de exploración en torno a la manipulación tecnológica de los cuerpos y la confusión y los límites, cada vez más difusos, entre el cuerpo virtual y el cuerpo real, el cuerpo artificial y el cuerpo natural, el cuerpo mecánico y el cuerpo biológico; una reflexión, en última instancia, sobre el desvanecimiento del cuerpo mismo o sobre la cada vez más apremiante concepción de éste como simulación generada y manipulada por control remoto.

Concepto & Dirección: Leire Ituarte
Interpretación: Gustavo Gorosito, Nélida Ranedo
Coreografía: Leire Ituarte, Gustavo Gorosito, Nélida Ranedo
Iluminación: Gabo Punzo
Concepción vídeo: Leire Ituarte, Adrián Hernández
Videocreación: Adrián Hernández
Espacio Sonoro: Edu Zallio
Arreglos sonoros: Ahoztar Larrea
Construcción escenográfica: Gabo Punzo
Vestuario&Estilismo: KataKlismo
Fotografía: Adrián Hernández
Texto: Jorge Luis Borges
Locución: Gabi Ocina
Producción: Flakos’ Producciones Creativas Elkartea
Colaboran: La Fundición, Dpto de Cultura del Gobierno Vasco
Agradecimientos: U.P.V (Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación)
Esta creación ha participado en el Programa de Residencias Artísticas de La Fundición

2011-07-12T10:57:00.000-07:00

LEKUZ LEKU Ciudad-DanzaVideo
VII. Festival Internacional de danza en paisajes urbanos

Bilbao 23, 24 y 25 JUNIO: Durante tres días, 23, 24 y 25 de junio, a partir de las 19:00h en Abandoibarra se encuentran la danza y el público paseante. Su objetivo: acercar la gran variedad de lenguajes de la danza contemporánea a todos los públicos de forma gratuita, y presentar trabajos coreográficos en los espacios urbanos. Para ello, en esta VII edición, Lekuz Leku presenta propuestas de bailarines nacionales e internacionales con creaciones específicas para cada espacio.

Se presentan trabajos de distintos paises como: Corea, Argentina, Suiza junto con coreógrafos más cercanos, de Galicia, Madrid, Cataluña, Andalucía, Aragón o Euskal Herria. Propuestas distintas para el disfrute de la danza a orillas de la ría.

LEKUZ LEKU EN CIFRAS: 4 paises, 6 autonomías, 2 intercambios de creación con Buenos Aires, 15 compañías, 18 piezas cortas, 1 instalación interactiva en el Zero Espazioa del Museo Guggenheim Bilbao, 1 encuentro profesional internacional (con SIDANCE-COREA), 1 masterclass para profesionales, 3 dias de presentación de videos de otras Ciudades Que Danzan y la presentación de la revista “dancing cities” /danza en paisajes urbanos.

EL FESTIVAL

PROGRAMA DE DANZA:
• 23, 24 y 25 de junio en el marco del Paseo de Abandoibarra.
• 24 de junio en el Zero Espazioa del Museo Guggenheim

TALLER PRACTICO DE DANZA Y ARQUITECTURA:
PARK Soon-ho & AN Ji-hyeong / Corea
Dirigido a profesionales de las artes escénicas

Día: 24 de Junio
Hora: 11.00h. – 13:00h.
Lugar: La FuNdicIOn
Precio: Invitación del Festival

Presentación de SIDANCE - COREA
Encuentro – Intercambio de información entre profesionales
Día: 24 de Junio
Hora: 13:15h.

PROGRAMA DE VÍDEO: 23, 24 y 25 de junio en el marco del Paseo de Abandoibarra se presentarán vídeos de los distintos Festivales asociados a la red Ciudades que Danzan (CQD)

Punto de encuentro: todos los días despues de las actuaciones un momento para la conversación, con una copa en la mano, entre los artistas y los espectadores.

TINTO DE VERANO TXOTX EKAINEAN 2011-

2011-06-15T13:15:00.000-07:00

TINTO DE VERANO TXOTX EKAINEAN / 2011

Accidentes Artísticos de Creación

Iosu Florentino, Miren Gaztañaga, Gabriel Ocina, Leire Ucha
Creador invitado: Fernando Renjifo
Presentación: 17, 18 y 19 de junio a las 20:00h.

"Arquitectura de la transparencia" "Gardentasuna eraikuntza"

De nuevo “los accidentes artísticos” ponen al alcance de un equipo local la presencia y disponibilidad de una figura externa, ajena a sus trayectorias, destacada en el panorama de la creación estatal, que jugará el papel de catalizador y ojo externo del proceso. Una oportunidad cuasi “accidental”.

Se trata de un “laboratorio” donde las líneas a seguir dependerán de los propios participantes y de los materiales que aporten, y que jugarán con estos elementos:

• un tiempo breve de encuentro: 2 semanas.
• un espacio de investigación: la Sala de trabajo.
• un momento de intercambio profesional: el equipo y el invitado
• un lugar de exhibición: La Fundición
• una idea, que surge de-desde-entre el grupo de creadores locales junto con la figura del creador invitado.

FASES – TIEMPOS - INTERVINIENTES:

• presentaciones interpersonales vía e-mail
• intercambio de ideas vía e-mail
• desarrollo del material e-mail
• los equipos se encuentran en el espacio de trabajo, La Fundición, durante dos semanas
• el final de este proceso tiene una presentación pública en el programa

TINTO DE VERANO - TXOTX EKAINEAN / 2011

2011-06-03T02:42:00.000-07:00

TINTO DE VERANO
TXOTX EKAINEAN / 2011

Presentación: 10, 11 y 12 de junio a las 20:00h.
Eneko Alcaraz, Igor Calonge, Robert Jackson /
Creador invitado: Daniel Abreu

"Lehenengo egun arraroak - These first awkwrd days - Los primeros días raros"

De nuevo “los accidentes artísticos” ponen al alcance de un equipo local la presencia y disponibilidad de una figura externa, ajena a sus trayectorias, destacada en el panorama de la creación estatal, que jugará el papel de catalizador y ojo externo del proceso. Una oportunidad cuasi “accidental”.

Se trata de un “laboratorio” donde las líneas a seguir dependerán de los propios participantes y de los materiales que aporten, y que jugarán con estos elementos:

• un tiempo breve de encuentro: 2 semanas.
• un espacio de investigación: la Sala de trabajo.
• un momento de intercambio profesional: el equipo y el invitado
• un lugar de exhibición: La Fundición
• una idea, que surge de-desde-entre el grupo de creadores locales junto con la figura del creador invitado.

FASES – TIEMPOS - INTERVINIENTES:

• presentaciones interpersonales vía e-mail
• intercambio de ideas vía e-mail
• desarrollo del material vía e-mail
• los equipos se encuentran en el espacio de trabajo, La Fundición, durante dos semanas
• el final de este proceso tiene una presentación pública en el programa

TINTO DE VERANO – TXOTX EKAINEAN 2011

Los protagonistas de esta edición están ya en marcha:

Eneko Alcaraz, Igor Calonge, Robert Jackson
Creador invitado: Daniel Abreu
Presentación: 10, 11 y 12 de junio a las 20:00h

Josu Florentino, Miren Gaztañaga, Gabriel Ocina, Leire Utxa
Creador invitado: Fernando Renjifo
Presentación: 17, 18 y 19 de junio a las 20:00h.

2011-05-23T23:26:00.001-07:00

PROYECTO ÁFRICA

27 - 28 - 29 de Mayo a las 20.:00h. Danza

Cía. NOMADA - ROBERTO TORRES / Tenerife - Senegal - Burkina Faso - Mali

"Que corra el aire"

Estreno en Euskadi

Soy torpe a las SEÑALES para saber cuándo entrar, esperar o darme por vencido.
Sé que el espacio que ocupas-O va más allá de tu-MI CUERPO y me cuesta ponerme en TU PIEL. El umbral es un lugar de paso en el que no se puede permanecer, en él se me congela la VALENTIA y aparece la duda de cuando debo dar el PRIMER PASO. Roberto Torres

Roberto Torres ha sentido la necesidad de viajar a África en diferentes etapas de su vida, creando un vínculo que se ha fortalecido en el tiempo y en el conocimiento de este continente. Como creador África le ha inspirado, como bailarín sus danzas han enriquecido su expresión y como persona le ha tocado muy profundamente removiendo sus cimientos al abrirle a nuevos mundos del ser. El poder crear con bailarines africanos es su actual inquietud y "Que corra el aire" es el nuevo reto que comparte con Maitou Sangaré de Mali, Ali Balbone de Burkina Faso y los senegaleses Sangone Vieira y Marie Agnes Gomis, experiencia que va más allá de la danza

Idea y dirección: Roberto Torres
Coreografía: Roberto Torres e intérpretes
Intérpretes: Maitou Sangare (Mali), Ali Balbone (Burkina Faso), Marie Agnes Gomis (Senegal), Papa Sangone Vieira (Senegal)
Escenografía: Jose Soriano
Vestuario: Dosi Andrade
Iluminación: Grace Morales, Hector Cortes
Imagen: Elida Dorta Elise Fitte-Duval
Música: Armand Amar, Uakti, Ruichi Sakamoto, Marco Prince, Kronos Quartet, Tambours du Bronx, Murkof

Producción en Senegal: Fatou Cisse, Assos 1er Temps - Aex-Corps
Producción en Tenerife: Marliuz Borges, Grace Morales
Coproducen: Auditorio de Tenerife "Adán Martin", Teatro Victoria, Gobierno de Canarias, Cabildo Insular de Tenerife Área de Cultura y Educación, Casa África
Colabora: Área de Cultura de la Embajada de España en Dakar. Assos 1er Temps - Aex-Corps, África Vive, Las Palmas Ciudad Cultural, Ministerio de Cultura
Agradecimientos: Maura Morales, Michio, Ana Peña Torres, Andreya Ouamba, Maria Toledo, Laura Marrero, Soledad Torres, Jorge Torres, Elena Lopez, Andrea Catania, Jose Luis Ribero, Patricia Monrroy, Teresa Lorenzo y Carlos Febles

BÁRBARA BAÑUELOS "90dB"

2011-05-17T22:49:00.000-07:00

Programa MAYORES DE 18

21 - 22 de Mayo a las 20.:00h. Performance

BÁRBARA BAÑUELOS / Madrid

"90dB"

Una historia contada en primera persona. Postales que te permiten entrar en el mundo imaginario de dos mujeres. Un juego e realidades ficcionadas, donde la pieza se va construyendo al mismo tiempo que se va representando. Una sucesión de acciones que cohabitan en un mismo espacio. Dependiendo desde donde se mire, se configura un discurso u otro, que permite que la pieza se cuente a sí misma desde diversos planos de percepción. Una entrada a un mundo onírico donde la manipulación del discurso se hace presente en un juego de cambio de identidades y por lo tanto de cambios de significados donde el observador se descubre observado.

90dB es una pieza que pretende cuestionar los códigos del lenguaje y sus procesos de descodificación, mostrando así una serie de juegos de manipulación que alteran el discurso y donde el espectador se encuentra formando parte activa. Un juego sobre los niveles de discurso, experiencias que ponen de manifiesto los dobles sentidos y las multitud de lecturas que ofrece el lenguaje visual, creando así una secuencia de escenas pautadas e improvisadas que van construyendo la dramaturgia de la pieza paralelamente al tiempo de su representación. La pieza tiene como objetivo romper las convenciones establecidas de actor-espectador, donde se establece la aceptación de mirar y ser mirado, esta relación voyerista, pretende ser subvertida; provocando momentos en los que el espectador se convierta en observador-observado. El uso de imágenes sexuales explícitas en ciertos momentos de la pieza, permitirá entrar en el mundo onírico de dos mujeres y mostrar una juego claro de manipulación que muestra los procesos de alteración de significados que se encuentran dentro de los códigos de comunicación.

Idea original: Bárbara Bañuelos

Dirección: Bárbara Bañuelos en colaboración con David Espinosa

Creación: Liz Vahía, David Espinosa y Bárbara Bañuelos

Interpretes: Liz Vahia y Bárbara Bañuelos

Técnicos: Liz Vahía y Bárbara Bañuelos

Bárbara Bañuelos (1980)

Nace en Burgos, estudia Publicidad, Arte Dramático y Danza en Madrid. Continúa sus estudios en Londres y Nueva York.Ha colaborado como interprete con diversos artistas. En 2007 crea junto a Ignacio Martín un video danza llamado Chatarra que se ha expuesto en diversos festivales y galerias internacionales.En 2008 crea su primera pieza escénica 90dB junto a la colaboración de Liz Vahia y David Espinosa. Actualmente vive en Madrid y pertenece a EL CLUB con el que ha presentado recientemente el Proyecto "El Paso" dentro del Festival In- Presentable de La Casa Encendida.

Liz Vahia (1979)

Licenciada en Antropología por la Universidad de Coimbra, frecuentó el curso de Antropología Visual y el Postgrado en Teoría e Crítica de Arte Contemporáneo en Barcelona. Tiene aún el curso profesional de Estrategias de Programación Cultural. Fue becaria de la Fundación para la Ciencia y Tecnología en el área de la investigación y gestión científica en museos de ciencia. Fue autora e programadora de diversos proyectos de artes visuales, fundadora de la productora de cine Lucinda Filmes, y colaboradora del Nacional Centre for Contemporary Arts en Moscú. En este momento hace la gestión del espacio cultural Geraldine, en Lisboa.

MONICA VALENCIANO - Cía. EL BAILADERO

2011-05-08T10:03:00.000-07:00

erREsonantzian /// En la Resonancia

ahotsa, gorputza eta performatibidadea /// voz, cuerpo y performatividad

Día: 9 de Mayo a las 20:30h.

Lugar: La Fundición Bilbao

MONICA VALENCIANO - Cía. EL BAILADERO / Madrid

“Impregnaciones en la Srta. Nieve y Guitarra”

9 versículos de “Impregnaciones en la Srta. Nieve y Guitarra”:

La protagonista de una pausa 7

en interpretaciones de una aparición, 3

enhebrando zonas inéditas de un

pensamiento 5 y sus vértebras

tiene algo 1 de abrazo.

Sucede en el pañuelo 4 que lleva su mano

en otra pista, suelta 6 la nube despejando

en un blanco arrugado, 2 los hilos que mueven su figura,

Baila un portazo o escuchando mil brazos de una palabra

en su cuerpo, mira dos veces 8 y responde,

el cielo es así, vamos a verlo 9:

Creación e interpretación: Mónica Valenciano

Diseño de luces: Cora

Vestuario: El bailadero

Música: Fragmento de un tema inédito de Melingo

Fotografía: David Ruano

Producción y gestión: Norma Kraydeberg

Mónica Valenciano
Bailarina y coreógrafa sigue estudios de danza clásica, contemporánea y teatro en el Instituto del Teatro de Barcelona y en la RESAD de Madrid. Completa su formación con distintas disciplinas: yoga Iyengar, contact improvisation, boxeo y tiro al arco.
Desarrolla una línea pedagógica impartiendo cursos y talleres, paralela a su trabajo de creación.
Ha realizado y creado, entre otros los siguientes espectáculos: Aúpa, Puntos suspensivos, Miniaturas, Peso gallo. Crea la Compañía El Bailadero, con la que presenta Adivina en Plata y la serie Disparates, que consta de siete piezas.
Sus obras se han representado en teatros y festivales como Madrid en Danza, Escena Contemporánea, Dança al Teatre Overt, Klapstuk Festival (Bélgica), Plural, Festival de Montreal, Jabos Pillow (EEUU), American Dance Festival, Dansa València, Mind the Gap (Londres), Festival de las Arts d´Ottawa (Canadá), Menàgerie de Vèrre (París), Centro Cultural de Belén (Lisboa), Theatre de L´Usine (Ginebra), Instituto Cervantes (París)L; el Festival de Latitudes Contemporaines de Lille (Francia), Festival Lignes des corps, Valenciennes, (Francia); Centre Corèografique Nacional de Tours (CCNT), (Francia); Thèâtre de La Bastille, (París), Pole Sus, Estrasburgo, Francia,
Centro Coreográfico de Rennes, Francia; Festival Instances, Chalon-sur-Saone, Francia, etc.
En el Festival Desviaciones (Madrid) presentó una retrospectiva de su obra.
El Festival Escena Contemporánea de Madrid 2004 le dedicó el ciclo "Perfil", donde presenta Disparate nº 5: 5 misterios, Disparate nº 6: 22 visiones y estrena el Disparate nº 7: Don't explain.
Junto con La Ribot, Blanca Calvo, Elena Córdoba, Olga mesa y Ana Buitrago el colectivo UVI.
Crea junto a las coreógrafas Ana Buitrago, Olga Mesa y Elena Córdoba, el grupo de investigación
"LA INESPERADA

"La casa de la mil miradas"

2011-05-05T09:32:00.000-07:00

Revista ARTEZ / Mayo 2011 / Apuntes sobre la danza actual

"La casa para las mil miradas"
Laura Etxebarria - La Fundición

Como decía Anne Teresa de Keersmaeker (directora de la Compañía belga Rosas y de la escuela P.A.R.T.S en Bruselas) en su mensaje para la conmemoración del Día Internacional de la Danza, el 29 de abril, “llevamos el mundo en nuestro cuerpos. La danza es un vínculo entre personas, un puente entre el cielo y la tierra ”.

Totalmente de acuerdo. Pero además de esta interpretación, poética podríamos decir, la danza se ha descubierto ya en las últimas décadas como un vehículo de comunicación de largo alcance, interminable, no sólo para asuntos de la tradición colectiva, su lugar indiscutible, sino como un lenguaje con alfabeto variado, cuasi infinito, de gramática variable con relación a todos los desarrollos económico-sociales, culturales y estéticos de los últimos tiempos. Un rostro con mil miradas.

Así, la diversidad y el empuje que ha demostrado tiene que ver con esa fuerza que le confiere su origen corporal, casi animal en algunos casos, que a la vez, y conectado con la abstracción de tantas corrientes artísticas y filosóficas, puede llegar a plantear temáticas como: las geometrías elásticas, el cuerpo del intérprete como cuerpo-soporte de la obra, re-lecturas del minimalismo y la postmodernidad en nuevos contextos, los límites entre el cuerpo del bailarín y el del espectador, cuerpo y voz ensamblados, músicas que surgen de movimientos, ecos de piezas históricas…. en fin, una multitud de cuestionamientos que toman a su vez multitud de formas cuyo soporte plantea también la diversidad de los lugares de acogida.

Muchos coreógraf@s han decidido salir de los teatros para encontrarse con el público en el metro, en un museo, en un hotel, en una estación, en un jardín...

En algunos casos la simplicidad de la puesta en escena es parte de la dramaturgia, en otros, ésta se apoya precisamente en la complejidad tecnológica, que permite el abordaje de lenguajes visuales y audiovisuales a través de diferentes soportes…

Todo un mundo de propuestas en un ecosistema que ha evolucionado mucho en Europa en las ultimas décadas y que no cesa de crear formulas, organismos y estructuras públicos y/o privados con transferencia de recursos, para el desarrollo profesional de los artistas en lugares de investigación, reflexión, creación, por un lado. Y para la conexión entre el creador y el espectador/ciudadano, por otro. En un espacio de encuentro donde la figura de los mediadores facilita la conexión entre ambos mundos. Ya sea a través de sus programas habituales, ya sea a través de festivales y encuentros específicos. Programaciones y Festivales que no sólo presentan espectáculos, sino que plantean co-producciones, ayudas a la creación a través de Residencias, acompañamiento de la carrera de los artistas, en el sentido de darles a conocer a través de su red de contactos y conocimientos profesionales, colaborando así en su proyección exterior, a la relación con otros profesionales y a la internacionalización. Todo esto si ya antes no lo ha hecho otro posible integrante del mencionado ecosistema: una agencia pública-privada cuyos objetivos son el desarrollo de las compañías o seguimiento y empuje de los creadores.

De la misma manera, se implican facilitando la creación de espacios-momentos donde el espectador activo se puede conectar no sólo con la pieza final, sino con el proceso de creación, con los propios creadores en las fases de reflexión, con un acercamiento a los lenguajes que utilizan, y en última instancia, donde el interés es más profundo, en una posible interacción.
Pero en un paso más allá con relación a la danza, el objetivo no es sólo esa conexión entre el creador y el espectador. En muchos países se desarrollan con la comunidad programas que tienen que ver con la cualidad terapéutica de la danza por su conexión intrínseca con lo corporal y lo más íntimo de las personas, también con lo grupal, como una herramienta a no desaprovechar. Una herramienta con la que se pueden conseguir logros físicos y psicológicos, a nivel individual y colectivo, progresos estéticos y de relación social, donde se abre todo un mundo amateur que plantea focos de cohesión social. Y esto se puede asociar también a los programas de integración de jóvenes inmigrantes donde la danza, las danzas, son un vehículo de acceso a nuevas vías de socialización y en algunos casos también de reorientación profesional.

Euskadi 2012. Todo lo anteriormente mencionado son líneas de trabajo que la comunidad de danza de nuestro entorno conoce ya, como horizonte de futuro, como modelos posibles entre otros, pero que sabe que juega en un medio menos desarrollado y favorable, donde la combinación de elementos tiene menos equilibrio y donde los artistas han demostrado una gran capacidad de adaptación pero no tienen garantizada la supervivencia porque su dimensión y el estado de opinión respecto al tema no cuenta con la misma importancia. Ha habido una evolución desde que los poderes públicos decidieron incluir la danza en la dinamización cultural, hace unos escasos 20 años. Un tiempo que quizá es todavía corto pero que ha dado a la inversión realizada, en todos los ámbitos de su cadena de valor (formación, creación, difusión), resultados muy rentables a nivel artístico y de proyección exterior.
Pero, siempre el pero, en situación continua de precariedad para la comunidad artística, a falta de esas estructuras de base y de arranque, sólidas y estables, que pudieran ser paraguas de futuro para todas las fases del proceso creativo, para la relación con los públicos y para la conexión con el entorno inmediato.

Se puede decir de nuevo: Para acometer un cambio de rumbo con relación a la danza, y como continuación a las acciones desarrolladas por la Administración y las entidades que hemos estado ahí, siempre, a un paso, lo claro es hablar de una CASA PARA LA DANZA. Singular, específica, sin alardes presupuestarios en el ladrillo, operativa y ágil, como el lugar para la presencia real y localizada. Un espacio reconocible, con una identidad clara. Con un escenario específico para la danza: Tradicional, clásica, contemporánea,… que acoga las creaciones con el mismo nivel de calidad que aquellos dedicados al teatro, la música, la opera o las artes plásticas..., romper con la idea de arte subsidiario. Que permita la visibilidad de lo que ocurre dentro: la documentación, archivo, reflexión, investigación, creación, presentación y exhibición, sensibilización…Un Centro de Desarrollo de la Danza que permita eso, el desarrollo de todas estas facetas mencionadas en las lineas anteriores (y en tantas y tantas mesas de trabajo ya) con continuidad, como espacio motor de acción y coordinación de todos los implicados y asociados a esas múltiples tareas. Y para todo tipo de usuarios: los creadores e intérpretes, los especialistas, los entusiastas, los amateurs, los curiosos. Que todos puedan sentirse en su casa.

6-7-8 de Mayo: Proyecto Pulsiones SX "Fase 1:¿qué porno"?

2011-05-05T09:07:00.000-07:00

Programa MAYORES DE 18
6 - 7 - 8 de Mayo a las 20:00h. Teatro
"Proyecto: Pulsiones SX - "fase 1: ¿qué porno?"

Estreno absoluto

Sexo es la página mas buscada de la red. Si tecleas sex en Internet aparecen 628 millones de entradas. Ningún otro tema o personaje despierta tanto interés o se aproxima a esa cifra. El sexo es, desde luego, una materia que nos preocupa a todas las personas. Nuestra sociedad tiende a etiquetar distinciones entre pornografía y erótica, arte y sexo. Nosotras intentamos cruzar los límites entre estas categorías.

Entendemos la pornografía como "representación de la sexualidad que aspira a controlar la respuesta sexual del observador" (Foucault). Somos conscientes de las profundas transformaciones que se han producido en la pornografía con el desarrollo de internet y las nuevas tecnologías. Sabemos que hoy en día, como brillantemente ha documentado Beatriz Preciado, el capitalismo obtiene el beneficio del carácter poli toxicómano y compulsivamente masturbatorio de la población global. Michael Jackson sería el ejemplo máximo de ese nuevo modelo de ser humano fármaco pornográfico: prótesis, cambio de sexo, impotencia, perversión y escala planetaria.

El Proyecto Pulsiones SX se compone de varias fases. Es un proyecto amplio y participativo en el que interviene un gran número de personas colaboradoras tanto en las diversas disciplinas artísticas y escénicas como en la discusión o la aportación de opiniones y experiencias. La primera fase del proyecto se basa principalmente en las aportaciones del Cuestionario ¿Qué Porno?.

El cuestionario ¿qué porno? se ha planteado para ser desarrollado en colaboración con movimientos sociales y ciudadanía de Bilbao y alrededores. Se formula como un primer paso en un intento de devolvernos a la ciudadanía una visión actualizada del lugar que ocupa la sexualidad y la pornografía en nuestras vidas. También se cuenta entre sus objetivos, el descubrimiento de una serie de imaginarios fluctuantes y fantasías eróticas posibles y su proyección en diversos formatos.

A partir del imaginario surgido de las entrevistas se ha realizado un Corpus Fotográfico y se ha creado la Propuesta Escénica ¿Qué porno? en la que el sexo será tratado como performance, es decir, como proceso de repetición social y políticamente regulado o como extensión de los peep shows. Citando a Wim van Kempen en su descripción de la Post-pornografía, el objetivo no es tanto masturbatorio como político, pongamos crítico o en el mejor de los casos humorístico.

Corpus Fotográfico
Fotografía: Vicente Paredes
Espectáculo Pulsiones SX. Fase 1: ¿Qué porno?
Intérpretes: Jon Koldo Vázquez, Juanjo Otero, Raketa Brokobitx
Textos: Julio Díez, Jon Koldo Vázquez, Juanjo Otero, Barbarina Dar-dar, Jose Romero, etc.
Vestuario y atrezzo: Jaime Zurdo
Iluminación: Alaine Arzoz
Espacio sonoro: Adríán García de los Ojos
Fotografía: Raquel Durán
Video: Jose Romero, Daniel Lagares
Dramaturgia: Jose Romero, Barbarina Dar-dar
Dirección Escénica: Barbarina Dar-dar
Comunicación: June Fernández
Colabora: La Fundición Aretoa- Bilbao

Archivo Pulsiones SX
Diseño blog: Pep Sanabra
Archivo: Jose Romero, Barbarina Dar-dar

16 – 17de Abril JAVIER VAQUERO & AIMAR PÉREZ

2011-04-13T00:21:00.000-07:00

Programa MAYORES DE 18
16 – 17de Abril a las 20:00h. Danza / Estreno en Euskadi
JAVIER VAQUERO & AIMAR PÉREZ / Barcelona
“Declarando amor”

Declarando Amor es un geto vital, un movimiento.
Este proyecto nace de la necesidad de legitimar el acto de la declaración de amor.
Concebido este acto como un gesto vital; un gesto que se activa desde la urgencia del individuo por emanciparse, proponerse y darse la oportunidad de existir, crear y dialogar.

El proyecto se despliega en formatos diversos que emergen de la búsqueda de las diferentes maneras de articular el acto que nos concierne.

Declarar es un verbo de acción.
Declarando generamos acciones y reacciones.
Declaramos con un discurso verbal y corporal.

Declaramos:
Amor es obvio.
Amor es honesto.
Declarar amor es acción.
Declarar amor es colisión
Declarar amor es potencial.

Si vivir es (políticamente) un acto violento, amar se convierte en un acto de supervivencia, un gesto vital.

Concepto+ Creación+ Interpretación: Javier Vaquero Ollero+ Aimar Pérez Galí
Asesoramiento artístico: Paz Rojo
Diseño de luces + Técnico: Israel Quintero Ródenas
Producido por: Mi Otro Trabajo
Con el apoyo de: CoNC (Generalitad de Catalunya), Intitut Ramón Llull (Catalunya)
Con la colaboración de: Teatro Musero Pujol (Bcn), La Portas (Bcn), Centro Coreográfico de La Gomera (Islas Canarias) Antíc Teatre / Adriantic (Bcn), La Poderosa (Bcn).

9 - 10 de Abril / PIETER AMPE & GUILHERME GARRIDO / Bruselas

2011-04-03T04:37:00.000-07:00

Pograma MAYORES DE 18

9 - 10 de Abril a las 20.:00h. Danza

PIETER AMPE & GUILHERME GARRIDO / Bruselas

"Still standing you"

Estreno en Euskadi

"Han pasado dos años desde nuestra primera colaboración. Ahora estamos en otro punto, en otro lugar, en otra fase de nuestras vidas, hemos vivido nuevas historias (juntos y por separado), tenemos deseos y miedos nuevos, hemos conquistado cosas y perdido otras, pero todavía conservamos este fuerte deseo de contar nuestra historia: qué hacemos y dónde estamos ahora."

Después de "Still Difficult Duet" 2007, el primer encuentro coreográfico entre el belga Pieter Ampe y el portugués Gilherme Garrido, en "Still standing you" los dos bailarines abren la caja de posibles laberintos de la danza y, de una manera traviesa, nos ofrecen una mirada muy particular sobre su caleidoscopica visión de la amistad. Con un lenguaje de danza completamente propio, completamente distinto de cualquier otro en danza contemporánea, sin ninguna vergüenza exponen todo lo que significan el uno para el otro. ¿Qué relación les une?, ¿son amigos, pareja, amantes, rivales, enemigos?

El único instrumento que utilizan es su cuerpo, la ironía de su despliegue muscular, la intensidad de su amistad infantil, la capacidad de convertir las limitaciones en virtuosismo y la habilidad de combinar todo esto en una pieza dinámica en la que la rudeza, la rabia y el amor se reúnen en un enorme abrazo, potente y abarcador.

"Dos años después de su primera colaboración Pieter Ampe y Gilherme Garrido deciden no preocuparse por lo que dicta la escena de la danza y toman una posición totalmente radical. Se pelean con sus cuerpos, empiezan como dos chicos malos, llegando a momentos de verdadero peligro, haciéndose daño, para pasar a otros más escultóricos gran belleza corporal. Nunca los hombres se vieron tan hermosos... (De morgen, 24 abril)

Coreografía & danza: Pieter Ampe & Guilherme Garrido

Dramaturgia: Rita Natálio

Producido por: CAMPO

Co-producido por: STUK, Leuven (B) & Buda, Kortrijk (B)

Ojo externo: Louise Van Den Eede

Residencia de creación: Espaço Alkantara

2-3 de Abril / VERO CENDOYA - RUBÉN CARDOSO

2011-04-03T04:28:00.000-07:00

Programa MAYORES DE 18

2 - 3 de Abril a las 20.:00h. Danza-Teatro

Cía. VERO CENDOYA / Barcelona

"Antagònics"

"Antagònics" es un espectáculo de danza teatro que une la Danza Contemporánea y el arte del Transformismo e investiga la posible conversación entre ambas.

Una confrontación entre dos artes aparentemente antagónicas, el TRANSFORMISMO, considerado un arte popular y caracterizado por la extraversión, y la DANZA CONTEMPORANEA, considerada todavía como un arte de minorías, y caracterizada por ser un arte abstracto.

Un dúo de Vero Cendoya, bailarina y coreógrafa contemporánea, con Rubén Cardoso, como sujeto representante del arte Transformista, uno de los artistas más influyentes de la escena del Transformismo actual en Barcelona.

RUBÉN CARDOSO

Transformista / 30 años de experiencia en espectáculos de Transformismo.

Superviviente de un movimiento cultural y artístico y que tuvo sus años dorados en los 70 y 80 en Barcelona, dónde personajes como Pierrot, Madam Arthur , llenaban salas como El Molino, Gambrinus y Bodega Bohemia.

Un colectivo que creó una corriente artística a partir de una necesidad vital de expresión ante una sociedad que les discriminaba y un gobierno que les perseguía.

Y que con este arte consiguió atraer la atención de figuras como Lorca,Dalí, Alberti, entre otros......

VERO CENDOYA

Bailarina y coreógrafa / 14 años de experiencia en el lenguaje de la danza contemporánea.

Ha trabajado en compañías de Alemania, Italia, Israel y Suiza.

Actualmente trabaja como bailarina en las compañías Sol Picó y Mar Gómez.

Sus piezas han sido presentadas en infinidad de festivales de España y el extranjero..

Dirección: Vero Cendoya

Creación e interpretación: Rubén Cardoso i Vero Cendoya

Música: Adele Madau

Asistencia coreográfica: Valentí Rocamora

Diseño de luces: Lidia / Gabo Punzo

Vestuario: Ruben Cardoso y Vero Cendoya

Residencia LA CALDERA

Con el apoyo de: Generalitat de Catalunya, Consell Nacional de la Cultura i de las Arts, La Caldera (Projecte Residencies 2009)

2011-03-28T01:23:00.000-07:00

PROGRAMA PRIMAVERA 2011 Mayores de 18 El erotismo y el sexo están asociados a la sociedad y la cultura. Todo aquello que es erótico es necesariamente pornográfico por añadidura. Sexo es la página mas buscada de la red. El sexo es, desde luego, una materia que nos preocupa a todos. Nuestra sociedad tiende a etiquetar distinciones entre pornografía y erótica, arte y sexo…. Estas y otras cuestiones son planteadas por algunas de las propuestas que presentamos en la programación de Abril-Mayo… ¡Que Vds.. lo disfruten¡

Programa MAYORES DE 18

2 - 3 de abril a las 20:00h. DANZA

VERO CENDOYA Barcelona / Estreno en Euskadi

“Antagonics”

Programa MAYORES DE 18

9-10 de abril alas 20:00h. DANZA

PIETER AMPE & GUILHERME GARRIDO / Bruselas

“Still standing you”

Programa MAYORES DE 18

16-17 de abril a las 20:00h. DANZA / Estreno en Euskadi

JAVIER VAQUERO & AIMAR PEREZ / Barcelona

“Declarando amor”

Programa MAYORES DE 18

6-7-8 de mayo a las 20:00h. TEATRO / Estreno

PROYECTO PULSIONES SX / Bilbao "Fase 1: ¿Qué porno?"

Programa BIZBAK

9 de mayo a las 20:30h. DANZA / Estreno en Euskadi

MONICA VALENCIANO – Cía. EL BAILADERO / Madrid

"Impregnaciones de la Srta. Nieve y Guitarra"

Programa MAYORES DE 18 21-22 de mayo a las 20:00h.

TEATRO BARBARA BAÑUELOS / Madrid

“90dB”

Programa ÁFRICA

27-28-29 de mayo a las 20:00h. DANZA

Cía NOMADA / ROBERTO TORRES / Estreno en Euskadi

Tenerife – Senegal – Burkina Faso - Mali “Que corra el aire”

29 de mayo de 11:00 a 14:00h

TALLER DE DANZAS AFRICANAS

Senegal – Burkina Faso – Mali

26 - 27 de Marzo/ MATXALEN BILBAO “Sast”

2011-03-26T00:27:00.000-07:00

26 - 27 de Marzo a las 20:00h. DANZA

MATXALEN BILBAO

“Sast”

SAST! (Onomatopeya. Voz que hace referencia al sonido que se produce al introducir o rozar un cuerpo en otro)

Pieza íntima, un solo acompañado. SAST! Indaga en lo humano desde una visión abstracta del cuerpo, sin llegar a una historia, transita por las vivencias grabadas en el cuerpo. Imágenes que median entre el espacio interior y el espacio exterior de la interprete.

Vídeo y movimiento se dan la mano en esta propuesta, donde la pantalla actúa como nexo de unión entre el espacio interior y el espacio exterior. El espacio como material. el cuerpo y el movimiento como el principal generador de espacio.

SAST! está interpretado por Matxalen Bilbao y su imagen virtual, consiste en la relación entre la bailarina y las imágenes de sí misma, donde las claves de la percepción se alteran, generando y estimulando diferentes ópticas en el espectador.

Idea original, creación, coreografía e interpretación: Matxalen Bilbao

Dirección: Atxarte López de Munaín y Matxalen Bilbao

Música: Itziar Madariaga

Vídeo: Leyre Llano

Diseño y construcción de la silla: Ibón Basañez

Diseño de Iluminación: Gabriel Punzo

Fotografía: Aintzane Arangüena, Ricardo Bautista

Producción: Matxalen Bilbao,

Subvenciona: Dpto. de Cultura Gobierno Vasco

Residencias: CAPa, Centro de Artes Performativas do Algarve y la Sala La FuNdicIOn-Bilbao

12-13 de Marzo-011 / VOADORA "Super 8"

2011-03-12T01:01:00.000-08:00

Marzo 12 -13 a las 20:00h. TEATRO

VOADORA – Santiago de Compostela

“Super 8”

Super 8 es la segunda entrega de la trilogía “Lugares comunes”: el fracaso, la memoria y el paraíso, relacionados con el tiempo presente, pasado y futuro.

“Lugares comunes” hace referencia a los espacios reales e imaginarios que compartimos y cómo estos puntos de encuentro influencian en la búsqueda de identidad del individuo contemporáneo.

Pongamos que la memoria es la estancia en la que almacenamos todas las viejas películas que fuimos reuniendo a lo largo de la vida. En su piso se acumulan latas y más latas de celuloide, y cada una de ellas encierran un recuerdo nuestro: recuerdos diáfanos, episodios para vivir cientos de veces, otros que más vale olvidar, falsos relatos… La memoria es selectiva y a veces traicionera, pero es nuestra. Somos directores de este film amateur que es nuestra propia vida.

Teatro, memoria y cine son en esta comedia musical tres espejos colocados en triángulo, en un juego de referencias mutuas que no se detiene porque Super 8 es un espectáculo sobre la pasión por la vida, un espacio amplio para lo libre y lo inesperado.

Dirección y dramaturgia: Marta Pazos

Intérpretes: José Díaz, Uxía P. Vaello, Marta Pazos, Hugo Torres y Sergio Zearreta

Música original: José Díaz y Hugo Torres

Iluminación: Baltasar Patiño

Espacio escénico: Sandra Varela

Estilismo: Fany Bell

Coreografía: Uxia P. Vaello

Asistencia dirección: Anabel Gago

Apoyo dramaturgia: Roberto Leal

Sastra: Clotilde Vaello

Colabora: Trigo Limpo y Teatro Acert

Distribuye: La Tía Mardalina

Dantzaldia 2011 Amalia Fernández /10 MARZO

2011-03-12T00:53:00.000-08:00

10 MARZO / 20:00h Auditorio / Museo Guggenheim Bilbao

Amalia Fernández (Madrid)

“Kratimosha”

Kratimosha es una partitura músico-visual que se despliega en varias direcciones y se recoge sobre sí misma, y sobre mí misma.

Es frívola porque es jugar por jugar, y es profunda por la misma razón.

Es hacer y rehacer la acción, escribir y reescribir.

Es una obrita de teatro con una cantante en bragas, una voz en off, un retrato de familia ficticio, un difunto, un montón de ruiditos copiados de la realidad, una serie de parejas a punto de enamorarse o a punto de romper y un final que se parece al principio, pero no en la forma, sino en la mofra, en la famor, en la romaf, en la ofram, etc.

Concepto, texto y dirección: Amalia Fernández

Intérpretes: Cathi Sardella y Amalia Fernández

Vestuario: Amparo Sánchez

Sonido: Nilo Gallego

Músicas: Estate de John Pizzarelli, I´ve got you de Frank Sinatra y Aldapeko, interpretado por el Orfeón Donostiarra

Diseño iluminación: Maria Güell

Diseño gráfico: Andrés Martínez

Vídeo de difusión: Johanson Productions

Producción y distribución: Amalia Fernández

Distribución internacional: Cathi Sardella

Coproduce: Centro Parraga,

Colaboran: Teatro de la Laboral, Festival Mapa, L’Estruch, La Casa Encendida y Aula de danza Estrella Casero de la U.A.H.

ANTECEDENTES: El solo autobiográfico Matrioshka (2005) inspira, cuatro años después, la realización de Kratimosha, esta nueva pieza que, sin dejar de ser un solo, cuenta con una persona más en escena, a modo de doble representación de un mismo individuo.

Sigue siendo género autobiográfico, aunque con vocación más universal. Es una autobiografía que pertenece a todos los que queramos que nos pertenezca. Es gratis.

Kratimosha es, de alguna manera, una continuación, un desarrollo de Matrioshka, aunque esto, que en principio pretendía ser el tema mismo de la pieza, ha acabado siendo una motivación de carácter interno.

LA REUTILIZACIÓN: He trabajado reutilizando los elementos, objetos, conceptos, textos y personajes. Esta herramienta funciona como contenedor de la pieza desde un punto de vista conceptual. El hecho de que la estructura sea tan visible, me ha permitido compartir con el espectador el proceso mismo de construcción. Creo que la pieza se lee, en cierto sentido, como un juego de construcción y deconstrucción. Así que Kratimosha se reutiliza a sí misma creando una suerte de partitura musical-visual y, a nivel semántico, produciendo múltiples posibilidades. Me interesa la reutilización en el sentido de que es esencia misma del movimiento, del ejercicio infinito de cambiar las cosas de sitio, para dar lugar a nuevos argumentos, nuevas puertas para entrar y para salir y, por supuesto, nuevos motivos para permanecer.

Residencia en LA FUNDICIÓN 2011

2011-02-15T01:17:00.000-08:00

RESIDECIAS EN LA FUNDICION BILBAO 2011

PROGRAMA: DE RESIDENCIAS ARTISTICAS - Producción
Pulsiones SX. Fase 1: ¿Qué porno?

Del 28 de Febrero al 31 de Marzo
Del 2 de Mayo al 8 de Mayo
PRESENTACIÓN: 6-7-8 de Mayo

Pulsiones SX. Fase 1: ¿Qué porno?
Sexo es la página mas buscada de la red. Si tecleas sex en Internet aparecen 628 millones de entradas. Ningún otro tema o personaje despierta tanto interés o se aproxima a esa cifra. El sexo es, desde luego, una materia que nos preocupa a todos. Nuestra sociedad tiende a etiquetar distinciones entre pornografía y erótica, arte y sexo. Nosotras intentamos cruzar los límites entre estas categorías.
Entendemos la pornografía como “representación de la sexualidad que aspira a controlar la respuesta sexual del observador” (Foucault). Somos conscientes de las profundas transformaciones que se han producido en la pornografía con el desarrollo de internet y las nuevas tecnologías. Sabemos que hoy en día, como brillantemente ha documentado Beatriz Preciado, el capitalismo obtiene el beneficio del carácter poli toxicómano y compulsivamente masturbatorio de la población global. Michael Jackson sería el ejemplo máximo de ese nuevo modelo de ser humano fármaco pornográfico: prótesis, cambio de sexo, impotencia, perversión y escala planetaria.
El Proyecto Pulsiones SX se compone de varias fases. Es un proyecto amplio y participativo en el que interviene un gran número de colaboradores tanto en las diversas disciplinas artísticas y escénicas como en la discusión o la aportación de opiniones y experiencias. La primera fase del proyecto se va a basar principalmente en las aportaciones del Cuestionario ¿Qué Porno?.

El cuestionario ¿qué porno? se ha planteado para ser desarrollado en colaboración con movimientos sociales y ciudadanía de Bilbao y alrededores. Se formula como un primer paso en un intento de devolvernos a la población una visión actualizada del lugar que ocupa la sexualidad y la pornografía en nuestras vidas. También se cuenta entre sus objetivos, el descubrimiento de una serie de imaginarios fluctuantes y fantasías eróticas posibles y su proyección en diversos formatos.

A partir del imaginario surgido de las entrevistas se va a realizar, por ejemplo, un Corpus Fotografíco. Se va a crear también la Propuesta Escénica en la que el sexo será tratado como performance, es decir, como proceso de repetición social y políticamente regulado o como extensión de los peep shows. Citando a Wim van Kempen en su descripción de la Post-pornografía, el objetivo no es tanto masturbatorio como político, pongamos crítico o en el mejor de los casos humorístico.

EQUIPO DE TRABAJO
Corpus Fotográfico
Fotografía: Vicente Paredes

Propuesta Escénica ¿qué porno?
Intérpretes: Juanjo Otero, Raketa Brokovitx
Caracterización, Indumentaria y Atrezzo: Jaime Zurdo
Dirección Artística: Jose Romero
Dirección Escénica: Barbarina Dar-dar
Producción: Eragiten, Intervención Urbana / Hiri Esku-harmen
Grupo de discusión: Julio Diez, Jaime Zurdo, Jon Koldo Vázquez, Jose Romero, Elena Bezanilla, Juanjo Otero, Tania Arriaga

PROGRAMA: DE RESIDENCIAS ARTISTICAS - Producción
Leire ITUARTE de "@leph"
1 / 30 de Julio

@leph es un proyecto escénico inspirado en la confluencia de tres conceptos clave. En primer lugar, el Panoptismo de Michel Foucault, concebido como tecnología disciplinaria en el engranaje de la burocracia del poder que rige las sociedades modernas; ensegundo lugar el leitmotiv del Laberinto en la narrativa de J. Luis Borges, como representación poética y simbólica del universo, síntesis y emblema espacio-temporal de una red de “realidades” simultáneas e infinitas, y por último, la Red Cibernética de la era de la información, en tanto que tejido primario de la experiencia posmoderna de “realidad” virtual y sus efectos en el desvanecimiento de “Lo real” en la sociedad contemporánea globalizada.

La interacción y vigencia de estos tres imaginarios en la cultura contemporánea configuran el marco de pensamiento de este proyecto que quiere reflexionar sobre los efectos subliminales que ejerce en la condición cultural del sujeto posmoderno la implantación y expansión burocrática de la red cibernética entendida ya no sólo como horizonte, Hipertexto o espacio virtual de “realidades” múltiples y simultáneas sino como engranaje tecnológico al servicio del dispositivo disciplinario y la distribución jerárquica del poder de las sociedades contemporáneas. Una reflexión, en definitiva, en torno nuestra ubicación en el laberinto de la burocracia cibernética como una tecnología eficaz de poder, una versión posmoderna, optimizada e hiperbólica –utópica?- o exacerbada –distópica?-, según se mire, de lo que Michel Foucault denominaba como el dispositivo o la maquinaria panóptica disciplinaria que garantizaría el despliegue, ramificación y óptimo funcionamiento de la “micro-física” del poder en las sociedades modernas.

Ficha
Concepción&Dirección: Leire Ituarte
Interpretación: Gustavo Gorosito, Nélida Ranedo
Iluminación: Gabo Punzo
Fotografía: Sibophot
Espacio Sonoro: Ahoztar Larrea
Textos: Jorge Luis Borges, Maurice Maeterlinck

PROGRAMA: DE RESIDENCIAS ARTISTICAS / Técnica
Olatz De Andrés "Privolva"

1 / 10 de Agosto

Privolva toma como marco de trabajo el género cinematográfico de la ciencia ficción. La ciencia ficción entendida como ficción especulativa basada en las narraciones imaginarias que no pueden darse en el mundo que conocemos debido a una transformación del escenario narrativo. El proyecto se interesa por la SCI-FI en su frontera con el género fantástico, descartando sus aspectos científicos y tecnológicos.

Parte de una selección de referentes cinematográficos del género para indagar en su tratamiento sobre el cuerpo natural y artificial, sobre el tiempo y su posible manipulación, los espacios paralelos, lo real y lo imaginario.

Se construye a partir de una serie de impulsos utópicos que imaginan realidades diferentes a la actual en una comunicación con lo otro, expresión de un mundo posible, según Deleuze. En estos espacios utópicos juega con preguntas como ¿qué pueden los cuerpos? ¿qué futuro les espera a los cuerpos humanos y no humanos? ¿Qué pertenece a la naturaleza y qué a la cultura en la construcción de los cuerpos?¿Se pueden modificar los límites del cuerpo?

El proyecto también investiga cómo trasladar mecanismos y recursos del medio cinematográfico al escénico. La sonoridad y la palabra en OFF acompañan la acción escénica construyendo a través de lo auditivo un contexto invisible.

Se llama Privolva al lado de la luna que no podemos ver desde aquí (Somniun, Kepler).

Dirección: Olatz De Andrés
Creación e interpretación: Pilar Andrés, Jorge Jauregi, Olatz De Andrés
Asistencia externa: Igor de Quadra
Sonido: Jose Urréjola
Vestuario: Leire Orella
Iluminación: Gabo Punzo
Producción: Muelle 3
Residencia artística: L’Animal a l’Esquena
Residencia técnica: La Fundición Bilbao

ACCIDENTE PARA LA CREACIÓN 2011

2011-02-15T00:51:00.000-08:00

ACCIDENTE PARA LA CREACIÓN 2011

La Fundición, como Centro de Recursos, y en relación con los procesos de investigación, creación y producción propone los “ACCIDENTES PARA LA CREACIÓN”

El TINTO DE VERANO 2011 transita por caminos nuevos.Un banco de pruebas para la creación escénica. Un “laboratorio” de accidentes artísticos, donde las líneas a seguir dependerán de los propios participantes y de los materiales que aporten, y que jugarán con estos elementos:

• un tiempo breve de encuentro: 2 semanas.
• un espacio de investigación: la Sala de trabajo.
• un momento de intercambio profesional: el equipo y el/la invitado/a
• un lugar de exhibición: La Fundición
• una idea, que surge de-desde-entre el grupo de creadores locales junto con la figura del creador invitado.

Los ACCIDENTES PARA LA CREACIÓN, ponen al alcance de un equipo local la presencia y disponibilidad de una figura externa, ajena a sus trayectorias, destacada en el panorama de la creación estatal, "alguien en
el que siempre habían pensado, pero que nunca pudo ser", que jugará el papel de catalizador y ojo externo del proceso. Una oportunidad cuasi "accidental".

FASES - INTERVINIENTES - TIEMPOS:

• presentaciones interpersonales via e-mail• intercambio de ideas via e-mail• todo el equipo se encuentra en el espacio de trabajo, La Fundición • la presentación pública de los "accidentes" se hace en el programa TINTO DE VERANO 2011.

Los protagonista de esta edición están ya en marcha:

Del 30 de Mayo al 12 de Junio

Creador invitado: Daniel Abreu

Eneko Alkaraz, Igor Calonge, Robert Jackson

Del 6 de Junio al 19 de Junio

Creador inviado: Fernado Renjifo

Miren Gaztañaga, Gabriel Ocina, Leire Utxa, Josu Florentino

18-19-20 de Febrero / ONÍRICA MECÁNICA

2011-02-14T12:37:00.000-08:00

18-19-20 de Febrero / Teatro Familiar

ONÍRICA MECÁNICA

“El Intrépido viaje de un hombre y un pez”

“Ésta es la historia de un hombre que quería nadar un poquito y un pez que soñaba con saltar el cristal en busca de nuevos horizontes”

Un hombre y un pez, recorren mundo. Acuden a los lugares donde son invitados con todos sus cacharros: Muñecos de alambre, luces de navidad, extraños objetos y letras voladoras, para contar una historia cada noche. Pequeños cuentos fantásticos que no tienen nada que ver con ellos, ni con sus vidas, ni siquiera con las vidas de los escuchantes que allí se reúnen.

Aunque, las pequeñas cosas que erizan la piel, siempre atrapan alguna parte de nuestros sentimientos.

SOBRE EL ESPECTÁCULO

El Intrépido viaje de un hombre y un pez, recupera la figura de los antiguos cuentistas ambulantes que recorrían y recorren todavía pueblos contando historias fantásticas por lugares remotos del mundo. Pequeños magos de circos y sentimientos que cada noche invitan a soñar a cada uno de los escuchantes de sus cuentos, desde el encuentro con el otro, desde la mirada limpia, sin artificios.

En el universo de sus cuentos, todo es posible, imprevisible, sorprendente, risible y a veces un poquito melancólico Hombres con veinticuatro dedos, corazones que caminan, puertas secretas que esconden misterios con olor a ajo…

Bienvenidos a esta feria de sentimientos, palabras y luces de colores.

No podemos avanzarles que historia van a contar hoy, probablemente ellos tampoco lo saben.

El Intrépido viaje de un hombre y un pez, es una propuesta que combina el teatro visual, la manipulación de títeres, sombras y objetos con el lenguaje sensorial y la más ancestral tradición del cuenta cuentos.

El espacio escénico es como un extraño lugar en el campo de algún lejano pueblo. Está lleno de trastos viejos cargados de memoria y un carromato mágico que ayudará a “El Hombre” a inventar sus cuentos.

El Pez: Jonás el pez.

El Hombre: Jesús el hombre.

Manipulación de objetos: Belén Martínez.

Técnico y juego de entrada: Sergio García.

Diseño de iluminación: Paloma Parra.

Cacharrería: La Faena, David Herráez.

Ecos de alambre: María Pompas.

Un cuento escrito y dirigido por Jesús Nieto

Onírica mecánica es una compañía creada por Jesús Nieto en 2006 para continuarprocesos de investigación sobre el objeto y la percepción que ya había comenzado a trabajaren compañías anteriores como Teatro en el Aire (“La Cama” PREMIO A LA PROPUESTA MÁS INNOVADORA en el Festival de Rivadavia 2007) , o Teatro de los sentidos.

El Intrépido Viaje de un Hombre y un Pez.

Premios:

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO en F.E.T.E.N 09

PREMIO A LA MEJOR ESCENOGRAFÍA. Fira de Titelles Lleida 2009.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO INTERNACIONAL. Fira de Titelles Lleida 2009.

12– 13 de Febrero / NATXO MONTERO DANZA

2011-02-14T12:29:00.000-08:00

12– 13 de Febrero a las 20:00 h. DANZA

NATXO MONTERO DANZA / Bilbao

“Carni di prima qualità”

Natxo Montero – Patricia Fuentes

La piel, la carne, el sonido y el movimiento, distintos elementos que interactúan desplazando la organización binaria entre hombre-mujer y las relaciones jerárquicas que se establecen.

En “Carni di primà qualità” el cuerpo se (des)organiza de otro modo: no hay género, sólo hay choques, roces, contacto, deslizamientos de piel a velocidades e intensidades distintas que generan movimiento y producen el sonido a través del contacto.

“Carni di prima qualità” habla de esos momentos y situaciones deseados y no deseados que nos suceden a todos en la vida.

“Carni di prima qualità” fue galardonada en la XXIII Edición del Certamen Coreográfico de Madrid en 2009 con el segundo premio, con una residencia en el Centro de Creación LA CALDERA –Barcelona y el primer premio según el Jurado CHOREOROAM (grupo de coreógrafos europeos presentes durante todo el Certamen). Compañía en Residencia de Creación en La Fundición -Bilbao/ Octubre 2010.

Dirección artística: Natxo Montero

Creación e interpretacíon: Patricia Fuentes y Natxo Montero

Iluminación: Natxo Montero_danza

Fotografía: Jesús Vallinas

Producción: Teatro Mutante S.L

Colaboración: Centro Coreográfico La Gomera, Festival B Motion (Italia), Paso a 2,

Programa en Residencia en La Fundición-Bilbao, Programa de Residentes-La Caldera (Bcn).

Proyecto subvencionado por: Departamento de Cultura del Gobierno Vasco

Agradecimientos a: Desi por estar ahí siempre, a la cuadri, Nagore y Quique, y a los que han confiado en nosotros.

Natxo Montero_danza es una joven compañía que nace en Bilbao en 2008.

Su primera pieza CUADRA-T, , fue presentada ese mismo año en el Certamen Coreográfico de Madrid siendo galardonada con tres premios. Tras más de 35 actuaciones en distintos festivales y teatros, tanto de ámbito nacional como internacional, CUADRA-T es una pieza que sigue en activo y está programada para futuros festivales.

Su segundo trabajo, Carni di prima qualità, se presenta al completo en el otoño del 2010.

DANTZALDIA 2011 / ISRAEL GALVÁN

2011-02-09T13:51:00.000-08:00

DANTZALDIA 2011 / 11 de Febrero / ISRAEL GALVÁN

Palacio Euskalduna - Bilbao

ISRAEL GALVÁN (Sevilla)

“La Edad de Oro”

LA EDAD DE ORO / Israel Galván, David Lagos y Alfredo Lagos en concierto

En el flamenco, como en todas las artes, historiadores, especialistas y críticos han ido definiendo progresivamente unos periodos de referencia a los que han llamado La edad de oro.

La edad de oro del flamenco corresponde al periodo que va del último tercio del siglo XIX al primer tercio del siglo XX. Esta edad de oro se refiere principalmente al cante y al baile, ya que la guitarra tardaría aún muchos años en desarrollar su auténtica valía.

De las muchas definiciones que del tiempo mítico que fue La edad de oro podemos encontrar, sin duda las que más convienen a nuestros protagonistas son éstas.

Cuando hablamos de La edad de oro como un tiempo mitológico en el que la muerte se encontraba encerrada y se le negaba la posibilidad de hacer su trabajo, sin duda nos acordamos de la guitarra de Alfredo Lagos. La muerte estaba ahí, mientras el mundo vivía en paz, amor y concordia, la muerte terrible estaba ahí, impedida de actuar.

Escuchamos la seguiriya de Alfredo Lagos como un canto a esa edad de oro, a ese tiempo.

Cuando hablamos de La edad de oro como un tiempo pasado que fue mejor, como esa época dorada que a menudo se establece como fuente de referencia y canon artístico, estamos en una conversación con David Lagos. Debemos situarnos entre los años cincuenta y sesenta, entre las grabaciones de José Manuel Caballero Bonald para el Archivo del cante flamenco del sello Vergara y la serie de televisión Rito y geografía del cante que filmaran Mario Gómez y José María Velázquez.

Con David Lagos, cantaor que atesora con mimo los cantes de las épocas doradas, y con Alfredo Lagos, joven guitarrista –ambos hermanos y de Jerez, tierra natal del flamenco–, Israel Galván se amarra a las referencias buscando la aproximación a los cánones, para tirar la edad en provecho del oro, el oro del tiempo presente que se muestra ante nuestros ojos, ante nuestros sentidos.

Pedro G. Romero - Director Artístico

LA EDAD DE ORO / Israel Galván, David Lagos y Alfredo Lagos en concierto

Baile y coreografía: Israel Galván

Cante: David Lagos

Guitarra: Alfredo Lagos

Sonido: Félix Vázquez

Iluminación: Rubén Camacho

Fotos: Félix Vázquez

Producido por: A NEGRO Producciones

DANTZALDIA 2011 / Cie. PHILIPPE SAIRE (Ginebra)

2011-01-31T23:13:00.000-08:00

DANTZALDIA 211

5 FEBRERO / 20:00h

Sala A1 / Palacio Euskalduna

Cie. PHILIPPE SAIRE (Ginebra)

“Lonesome Cowboy”

Cinco bailarines exploran las relaciones masculinas a través de la fisicalidad en un grupo de hombres, partiendo de la base de los códigos deportivos. La potencia de un lenguaje muy directo del cuerpo, expresado por la generosidad de estos bailarines que llegan hasta el agotamiento, planea a lo largo de la pieza.

El hombre y su incesante deseo de dominar.

El hombre y su sentido de formar parte de un grupo.

El hombre y su necesidad de asumir riesgos, de enfrentarse, de pertenecer….

Lonesome Cowboy, coreografía en dos movimientos, sólo con bailarines, es un estudio sobre la identidad masculina. Consta de dos partes distintas y complementarias: un quinteto y un dúo.

Con este grupo de intérpretes Philippe Saire investiga de una forma distendida el funcionamiento de las relaciones del individuo y el grupo. Utilizando el juego y unas reglas muy definidas, la pieza se aproxima a una serie de nociones como: espíritu de grupo, solidaridad, confrontación, acercamiento, rechazo, pertenencia, riesgo…

El quinteto se plantea como un experimento físico sobre las relaciones masculinas en el grupo. El grupo tiende hacia el gregarismo y a un tipo de proximidad aceptable, como quien está perdido en la multitud. En cambio en el dúo, que obliga a una cierta intimidad, hay más bien una especie de lucha. Saire concluye este momento de tensión interpretativa con un tratamiento de fusión-separación tras la larga secuencia de pelea.

Coreografía: Philippe Saire, en colaboración con los bailarines

Bailarines: Philippe Chosson, Pablo Esbert Lilienfeld, Matthieu Guénégou, Mickaël Henrotay Delaunay, Mike Winter

Diseño de iluminación: Laurent Junod

Creación de sonido: Christophe Bollondi

Espacio escénico: Sylvie Kleiber

Asistente de producción: Muriel Imbach

Vestuario: Isa Boucharlat

Asistente de vestuario: Célia Franceschi

Maquillaje: Nathalie Monod

Asesoría artística: Philippe Weissbrodt

Regidores: Dominique Dardant, Yann Serez

Coproducción: Cie. Philippe Saire, La Bâtie-Festival de Genève

Agradecimientos: Claude Champion, Tennis-Club Lausanne

DANTZALDIA 2011

2011-01-27T07:12:00.000-08:00

DANTZALDIA 2011-BILBAO

Sorpresas. Los artistas de nuevo nos acercan a mundos diversos, y no sólo por la internacionalidad o las geografías: el universo particular de cada equipo nos hace transitar por sensaciones y pensamientos, imágenes y sonidos, colores y temperaturas…

Así, el itinerario nos traslada hacia los juegos y el deporte, como es el caso de la Compañía Philippe Saire, que plantea una reflexión sobre la identidad masculina. De la mano del iconoclasta Israel Galván y sus imprescindibles hermanos Lago al cante y a la guitarra nos aproximaremos a la edad de oro del flamenco. Les Slovaks Dance Collective y su nueva danza tradicional nos acercarán a una relectura de las danzas eslovacas, cargada de musicalidad y de su particular sentido de grupo. Con Héla Fattoumi, quien dirige ahora el CCNC de la Baja Normandía, participaremos de un gesto artístico de rebelión contra el velo islámico. Amalia Fernández, en una pieza que se despliega y se recoge sobre sí misma, nos hace recorrer un juego de construcción y deconstrucción. Y el programa se cierra con la figura de Cesc Gelabert, Premio Nacional de Danza, que acaba de celebrar los 25 años de la compañía, en una jornada en la que el publico será el protagonista en todos los sentidos.

El cine vuelve a estar presente en el festival, gracias a la colaboración de ZINEBI, completando una visión amplia y de muchos vértices en relación con la creación y su diversidad.

Diversidad enorme de lenguajes que también tiene su reflejo en la diversidad de espacios de acogida, cada uno con su especificidad arquitectónica y de contenido, de relación con la ciudad… Un conglomerado de elementos que aporta todavía más riqueza a la mirada del espectador.

PROGRAMA

5 FEBRERO/ 20:00h

Sala A1 / Palacio Euskalduna

CIE. PHILIPPE SAIRE (Ginebra)

“Lonesome Cowboy”

11 FEBRERO/ 20:00h

Sala A1 / Palacio Euskalduna

ISRAEL GALVÁN (Sevilla)

“La edad de oro”

26 FEBRERO/20:00h

Sala A1 / Palacio Euskalduna

LES SLOVAKS DANCE COLLECTIVE (Eslovaquia/Bélgica)

“Journey home”

3 MARZO / 20:00h

Auditorio/ Alhóndiga Bilbao

HÉLA FATTOUMI & ÉRIC LAMOUREUX (Caen)

Centro Coreográfico Nacional de Caen/Baja Normandía CCNC/BN

“Manta”

10 MARZO / 20:00h

Auditorio / Museo Guggenheim Bilbao

AMALIA FERNANDEZ (Madrid)

“Kratimosha”

31 MARZO / 20:00h

Bizkaia Areto (Paraninfo UPV-EHU)

GELABERT AZZOPARDI COMPANYA DE DANSA(Barcelona)

“Un día con el público”

OTRAS ACTIVIDADES

23- 24 Marzo / 20:00h

Teatro La Fundicion

Cine – Cuerpo – Danza II

ZINEBI

MASTER CLASS ABIERTAS

TALLER DE APROXIMACION COREOGRAFICA PARA NO INICIADOS

CONVERSACIONES con los artistas

28-29-30 de Enero a las 20:00h. Compañía Guillermo Weickert – Sevilla "Días. Pasan. Cosas"

2011-01-23T10:03:00.000-08:00

28-29-30 de Enero a las 20:00h.

Compañía Guillermo Weickert – Sevilla

"Días. Pasan. Cosas"

Que vivimos una época caracterizada por la aceleración, fascinada por la velocidad y por la inmediatez de respuesta es una opinión compartida por todos. Hemos creado un presente absoluto carente de profundidad temporal: corremos a toda prisa hacia ningún sitio describiendo círculos sobre nosotros mismos, consumiendo acontecimientos que en esencia, no modifican nada. Un tiempo en el que pasan demasiadas cosas y, a la vez, está lleno de repeticiones, rituales y rutinas. Nada realmente nuevo aparece. Paralizados en el movimiento, no hacer nada a toda velocidad, moverse sin desplazarse, e incluso ser un vago muy trabajador son las consecuencias de esa “falsa aceleración” de las que habla Daniel Innerarity en “La Otra Desaceleración” y que es el punto de partida de “DÍAS. PASAN. COSAS”

En este nuevo proyecto, segundo creado en Andalucía y de nuevo junto a la producción de El Mandaito, Guillermo Weickert reflexiona sobre esos días cualesquiera en los que las cosas pasan: esas cosas inesperadas, aquello que a pesar de todos los medios a nuestro alcance no somos capaces de prever y que cambiará para siempre nuestra esencia.

¿Por qué en esos momentos sentimos como si la realidad golpeara nuestra cara? ¿Es que vivimos en una vida ficticia? ¿Por qué es sólo entonces que el tiempo a nuestro alrededor parece detenerse y esa aceleración se desvanece? Para llevar a cabo un movimiento real no basta con acelerar, del mismo modo que la trasgresión no es necesariamente creativa, ni el cambio es siempre innovador.

Junto al arquitecto y actor sevillano José Mª Sánchez Rey y a la bailarina cordobesa María Cabeza de Vaca, el coreógrafo y director de escena onubense presenta una colección de imágenes poderosas, llamadas a despertar nuestros sentidos antes que nuestra mente y que como el título del espectáculo, cada espectador debe ordenar y completar; un paisaje construido a partir de distintos lenguajes y acrisolados por la danza y el cuerpo que invita a la contemplación no para luchar contra el tiempo, sino para ponerlo a nuestro favor.

Y es que como concluye el propio Innerarity, se trataría de reintroducir el espesor del tiempo de la maduración, de la reflexión y de la mediación allí donde el choque de lo inmediato y de la urgencia obliga a reaccionar demasiadas veces sobre el modo del impulso.

Dirección: Guillermo Weickert

Intérpretes: José Mª Sánchez Rey, María Cabeza de Vaca, Guillermo Weickert

Coreografía: Guillermo Weickert junto a los intérpretes de la pieza.

Textos: José Mª Sánchez Rey, María Cabeza de Vaca, Guillermo Weickert

Fragmentos de “Lo Infraordinario” de George Perec

Diseño de Escenografía: José Mª Sánchez Rey

Diseño de Iluminación: Paloma Parra

Espacio sonoro y música: Fran Martínez Cabeza de Vaca

Diseño Gráfico: Ana Ropa

Construcción Escenografía: Ras Artesanos

Ayudante de Producción: Fernando Monge

Producción: El Mandaito Producciones

Agradecimiento:

Editorial Impedimenta, Rui Horta, Isa Vázquez, Luis Navarro, Laura Kumin, Isabel Blanco, Antonio Castro, Ricardo Carmona, Inmaculada Corral, Pilar Pérez Calvete, José David Gil, Joserra Leza, Familia Sánchez Rey Toni, Lourdes, Vero y Ana, La Fundición de Sevilla, Centro de las Artes Escénicas de Sevilla, Endanza espacio vivo de Sevilla O ESPAÇO DO TEMPO (Montemor o Novo, Portugal), Bandalux, Ayto La Riconada.

Es un convenio en colaboración con: La Junta de Andalucía,

Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música