La FuNdicIOn, ya en la nueva edición de "Accidentes artísticos para la creación", propone ORIGINAL Y COPIA, con el Colectivo 96º por un lado y con Rosa Muñoz+Sofia Asencio por otro.

ORIGINAL Y COPIA  es un  espacio de investigación sobre materiales ya construidos y que  se prestan a la deconstrucción.

PRESENTACIÓN ORIGINAL 
25 – 26 de Mayo a las 20:00h / 27 de Mayo a las 19:00h 

COLECTIVO 96º - Barcelona
“Fingir”
Lidia González Zoilo

PREMIO FERIA DE HUESCA AL ESPECTÁCULO MÁS INNOVADOR 2011

Hasta hace 20 años, los besos de amor, es decir, los besos en la boca, en un  escenario de teatro siempre se Fingían. Tres eran las principales estratagemas para  disimular el fingimiento de un beso:
A/ El galán se inclina sobre la dama, tuerce ligeramente la cabeza de modo que oculta  el beso al “respetable” y entonces besa a la actriz en la barbilla o en el labio superior.
B/ El galán, lleno de frenesí, acaricia a la dama con sus dos manos, puestas ambas  sobre sus mejillas. En el momento del ósculo, el galán desliza su dedo pulgar sobre la  boca de la dama y así, se da un beso en el dedo gordo.
C/El galán inclina la cabeza y sujeta con sus manos la cabeza de la dama y besa a  ésta entre el pómulo y la boca, espacio que no se aprecia ya que la mano del gala  impide la visibilidad. 

Fingir pretende ser una ironía sobre la propia acción de representar.
Todo  acto  escénico  es  en  sí  mismo  una  representación  de  la  realidad,  nosotros  queremos  llevarlo  un  poco  más  allá  creando  unas  reglas  de  juego  donde  absolutamente  todo  lo  que  ocurre  en  escena  son  representaciones  de  la  propia  obra  que el espectador está viendo.
La mentira, la ficción, la realidad, la verdad… son algunos de los conceptos que más  preocupan  a  la  nueva  escena  teatral,  ya  que  en  la  escena  actual  se  trabaja  muy  a  menudo en una línea autobiográfica y se rompe con la idea de personajes y trama y se  intenta hacer un trabajo más directo donde el actor no representa sino presenta, donde  el espacio dramático no existe, se hace evidente la sala de teatro, donde el espectador  es un actor más porque se le hace presente y cómplice de cuanto ocurre en la escena.
A nosotros nos interesa esa nueva relación que se ha creado con el público donde se intenta que el teatro sea una experiencia más real, algo tan presente e inmediato que  nos hace olvidarnos de que se trata igualmente de otra convención e incluso de que el  teatro siempre ha sido una mentira. Un lugar privilegiado donde mentir es lo natural.

Texto y dirección: Lidia González Zoilo           Interpretes: Lidia González Zoilo y David Franch 
Foto-Collage: Macarena recuerda Coreógrafa: Mónica Muntaner  Vestuario:Pilar Gonzalo 
Iluminación: Gorka Bilbao Ayudante dirección: Yuri Fontes 

11 – 12 de mayo a las 20:00h. / 13 de mayo a las 19:00h TEATROTEATRO ENSALLE - Vigo / Estreno en Euskadi

“Miniaturas”

Miniaturas es la decimocuarta producción de Teatro Ensalle y la octava con texto de Pedro Fresneda.
“En los territorios de la risa no parece que haya dificultad moral ni remilgo ético alguno”
María Zambrano. (Frase que sirvió como punto de partida da obra)

Nos ponemos desde esta frase a intentar definir qué es lo que queremos hacer y partimos de ella precisamente porque lo que nos importa no es tanto la temática como el sentimiento.

Se aprueban leyes a diario y se establecen como válidas desde el mismo momento en que se publican en cualquier boletín oficial. Desearía que me consultasen porque estas normas de funcionamiento impuestas tocan directamente a mis acciones diarias, a mi cotidianeidad.

Me encuentro en este sentido con imágenes en movimiento, imágenes pequeñas, del mundo cotidiano de cada uno, de cualquiera. Dos personas comiendo una al lado de la otra, no enfrente, al lado de la otra.

Por un lado me agarro a lo pequeño para intentar ser un reflejo claro y cercano, para no sentenciar con mis palabras, pero otro lado no quiero abandonar el estado crítico que me acompaña, incluso a la hora de cocinar, y creo que en la combinación de ambas partes deposito mi querencia. Reírnos de nuestra condición irrisoria e pequeña.

LA PROPUESTA
Como en todos los trabajos de Teatro Ensalle el texto es sólo una de las líneas que marcan la dramaturgia de la pieza. Junto con el texto, en paralelo a éste, se desarrolla una dramaturgia del movimiento, (a pesar de la formación de los integrantes de la compañía seguimos negándonos a llamarla danza), este movimiento es una parte fundamental de lo que se cuenta y seguramente una de las característica más claras de la Cía. Teatro Ensalle.

Para el desarrollo de la dramaturgia corporal trabajamos la improvisación, en este sentido es muy ventajoso el hecho de trabajar con una sala de ensayo dotada de iluminación, sonido y proyección de video, el escenario de teatro Ensalle.

En el caso de miniaturas la propuesta se basa en la investigación y el desarrollo de este lenguaje, de la conjunción del texto y del movimiento, situando así la “línea lógica” del discurso narrativo en manos del espectador. Esta recolocación nos permite mostrar en vez de contar, con lo que el espectador tiene efectivamente la sensación de presenciar algo “real”, algo que está pasando en ese momento  y que no se repetirá.

Los textos de Pedro Fresneda están directamente relacionados con su actividad como director de Teatro Ensalle, sus textos son material para escenas sin marcas de espacio, tempo o voz. Textos en flujo continuo que rompen el speach con frases cortas o con la repetición y la descripción oral de imágenes. (Carolina Boluda)

Dirección y dramaturgia: Pedro FresnedaCreación coreográfica: Raquel Hernández, Artús Rei y Jorge RúaInterpretes: Raquel Hernández ,Artús Rey, Jorge RúaIluminación: Pedro Fresneda
Espacio escénico: Teatro EnsalleProducción: Teatro EnsalleDistribución: Lilli ZecchinWeb: David SantosFotos: Bieito Rei

4 – 5 de Mayo a las 20:00h / 6 de Mayo  a las 19:00h DANZA

MÓNICA GARCÍA - Madrid / Estreno en Euskadi
“La velocidad de las cosas”

La Velocidad de las Cosas es un solo de danza en el que utilizo la escena como dispositivo de confesión, es al mismo tiempo ejercicio y resultado de una auto-enunciación.
Trabajo desde la confrontación y el cuestionamiento de una sentimentalidad subjetiva, trabajo sobre una percepción de ser-en-el-mundo, sobre la idea de 'producir efecto', sobre el 'afectar a' y 'afectar-se'.
“Asumo finalmente que soy cualquier novela romántica de finales del XVIII leída en un autobús. Asumo que soy Werther afectado, descolorido, expuesto, odioso, sirviente, aparente y lánguido. Sin discurso válido que desplace otra cosa que no sean sus afectos, desde el cuarto de baño a las conversaciones sobre el poder. Werther inválido. Multiplicación de Werther por mil, y mil Carlotas. La escena: ella está sentada al borde de un sofá y él le recita un poema de amor dirigiéndose a la cámara.”

Creación e interpretación: Mónica GarcíaAsistencia artística: Ricardo Santana e Iván MarcosDiseño de luz y sonido: Iván MarcosCámara y edición video promocional: Victor Hugo Seoane y Jaione CambordaEste trabajo ha sido posible gracias a la colaboración del Centro Coreográfico Galego, Sala Nasa, Laboratorio de Movementos, Concello de Ames y Centro Dramático Galego.

Mónica García
Sus últimos trabajos son 'Nielheim', solo con música en directo en colaboración con el cuarteto de cuerda Suelen Estar Quartet, 'La Velocidad de las Cosas' estrenado en la sala Nasa, 'I really want to stay here now' trío en colaboración con Ricardo Santana e Iván Marcos, 'Abiba' Pieza dirigida para una intérprete y estrenada en el museo Reina Sofía de Madrid. Titulada en Coreografía y Técnicas de Interpretación de la Danza por el Real Conservatorio Superior de Danza de Madrid y en ‘Cambios en Cultura y Sociedad. Nuevas tecnologías, nuevas industrias y nuevos usos’, por la Universidad Oberta de Catalunya. Premio del Jurado al Coreógrafo en el XVIII Certamen Coreográfico de Madrid. Artista Residente en Espaço de Tempo en Montemor-o-Novo, en La Casa Encendida de Madrid y en Laboral Teatro de Gijón.
Ha trabajado como asistente de coreografía en ‘Das haus of Bernarda Alba’ dirigida por Mei Hong Lin para el Staatsteather Darmstadt y como maestra de danza y solista de la compañía.
Ha realizado la coreografía de la obra 'Sí, pero no lo soy' de Alfredo Sanzol para el Centro Dramático Nacional junto a Ricardo Santana, y de 'La Ópera dos Tres Reás' para el Centro Dramático Galego dirigida por Quico Cadaval. Fue una de las artistas colaboradoras de En Residencia, un proyecto de Marc Rees para el Teatro de La Laboral en Gijón en colaboración con Chaptes Arts Center de Cardiff, Gales.
Ha bailado en la compañía de Catherine Diverrés para el Centre Chorégraphique National de Rennes et de Bretagne en Francia, en el Staatsteather Darmstadt en Alemania, Teatro de la Abadía, Matarile Teatro, en la compañía 10&10 y Provisional Danza entre otros.

LISBETH GRUWEZ“It´s going to get worse and worse and worse, my friend”

La FuNdicIOn celebra EL DÍA INTERNACIONAL DE LA DANZA con el brillante solo de Lisbeth Gruwez, ha formado parte de  las compañías Última Vez / Win Vandekeybus. Needcompany/Jan Lauwers  y Les Ballets C. De la B./ Sidi Larbi.
En 2004  Jan Fabre creó especialmente para ella Quando l'uomo principale è una donna, una pieza que marcó un hito en el universo del “solo”.

28 de Abril a las 20:00h / 29 de Abril  a las 19:00h DANZALISBETH GRUWEZ  - Bélgica

“It´s going to get worse and worse and worse, my friend”

Un discurso puede ser una arma muy poderosa. A través de los siglos los discursos han entusiasmado a las masas y las han llevado a la acción, para bien o para mal. Han desencadenado revoluciones y alimentado guerras. El poder de la palabra. Pero un discurso no solamente entusiasma a los oyentes: muy a menudo transporta al que habla a un estado de trance. Es el momento en que se pierde en la corriente de las palabras, en un estado obsesivo y de éxtasis al hablar. El poder del discurso muchas veces ha dependido de este estado de trance del hablante.
En "It's going to get worse and worse and worse, my friend" Lisbeth Gruwez baila ese estado de trance, de éxtasis verbal. Para el proceso ha utilizado fragmentos de discursos del tele-evangelista ultraconservador americano Jimmy Swaggart: al principio el lenguaje es amistoso, pacífico, pero a medida que transcurre el discurso va aflorando  su compulsivo deseo de convencer, se va transformando en creciente y desesperada crispación que finalmente deja a la vista su naturaleza mas áprofunda: la violencia.

Las relaciones de poder entre una voz masculina y una intérprete femenina (quién manipula a quién?), se convierten en un fantástico y desafiante paso a dos (…)
Las relaciones de poder entre una voz masculina y una intérprete femenina (quién manipula a quien ?), se convierten en un fantastico y desafiante paso a dos (…)
El 2012 no ha hecho mas que empezar pero Lisbeth Gruwez deja el nivel muy alto con esta pieza que, una vez más, atrapa desde el principio al final
By Sarah Vankersschaever, DE STANDAARD (Brussels), 19 January 2012, p.D6.

Idea, coreografía & danza: Lisbeth GruwezComposición, diseño de sonido & asistencia: Maarten Van CauwenbergheVestuario: Veronique Branquinho  Asesoría artística: Bart Meuleman Diseño de iluminación: Harry ColeIluminación: Caroline MathieuAgradecimientos: Tom de Weerdt
Producción: Voetvolk vzwCoproducción: Grand Theater Groningen, Troubleyn/Jan Fabre and Theater Im PumpenhausDifusión: Key PerformanceCon el apoyo de: Provincie West-Vlaanderen & Vlaamse Gemeen

Voetvolk / Lisbeth Gruwez - Maarten Van Cauwenberghe

Lisbeth Gruwez
Lisbeth estudió danza contemporanea en P.A.R.T.S. Bruselas. Comenzó su carrera profesional con Ultima Vez/Win Vandekeybus, y  con Pasolini Project Of Heaven and Hell y Away From Sleeping Dogs conIztock Kova. Desde 1999 Lisbeth Gruwez trabajó con Jan Fabre, en As Long As the World Needs a Warrior's Soul ,  y Je suis sang, la producción para el Cour d'Honneur en Avignon. En 2001 participó en el film Pierre Coulibeuf, Les Guerriers de la beauté, sobre el trabajo de Jan Fabre. En 2002 protagonizó  Images of Affection para Needcompany/Jan Lauwers. En el año siguiente Lisbeth Gruwez trabajó con Grace Ellen Barkey en Few Things y Cry Me a River de Riina Saastamoinen. En 2003 bailó See-Sick, una producción de Polydans, y en Foi , de Les Ballets C. De la B./ Sidi Larbi. En 2004 Jan Fabre creó un solo para Lisbeth Gruwez: Quando l'uomo principale è una donna . También participó en la instalación DON'T, de Peter Verhelst.

Maarten Van Cauwenberghe
En 1999 Maarten dejó el Antwerp Jazz Studio para actuar y trabajar como músico con Jan Fabre. Su primer proyecto conjunto fué As Long As the World Needs a Warrior's Soul . En 2001 Maarten Van Cauwenberghe compuso la música para Je Suis Sang , la pieza para el Cour d'Honneur de Avignon. En 2004 compuso la música para el solo de danza Quando L'Uomo Principale è una Donna, con  Lisbeth Gruwez como intérprete. Junto a su trabajo con Jan Fabre, Maarten Van Cauwenberghe ha trabajado con la bailarina de Rosas, Julia Sugranyes - Redial 2 – y en la musica para  Sens Acte Sans, de Label Cedana (Cédric Charon and Annabelle Chambon). En 2003 escribió la musica para Polydans production See-Sick. En 2006 Van Cauwenberghe y la bailarina y coreógrafa Lisbeth Gruwez fundan la asociación vzw Voetvolk con la producir sus propias creaciones.La primera de ellas, Forever Overhead , recibió un Premio ya  en 2007. 

QUARTA PAREDE “Gota a gota"

Proyecto de Internacionalización DO OUTRO LADO / AL OTRO LADO 

21  a las 20:00h / 22 de Abril  a las 19:00h TEATRO VISUAL
QUARTA PAREDE / Portugal - Estreno en el Estado
“Gota a gota”

El Agua en toda su dimensión y sus estados – líquido, sólido, gaseoso –, incluso en sus más imperceptibles movimientos, es el grande leitmotiv de “Gota a gota”, un espectáculo dirigido al público en general que utiliza el lenguaje del teatro visual, del cine de animación y de los efectos del sonido.
El ciclo del agua está ligado a la vida como algo íntimo,  establece una armonía entre la naturaleza y el ser humano, armonía que fue tergiversada por su progresiva mecanización.
“Gota a gota” empieza por abordar el Agua en su sentido más lato: somos agua rodeados de agua, y pretende llegar a lo que representa el Agua en la actualidad: energía, exploración, escasez, inundaciones, contaminación, desperdicio….
Gota a gota se vive, gota a gota se transforma, gota a gota se contamina.

Creación, dirección, espacio escénico: Rui Sena, Sílvia Ferreira Interpretación:Maria Belo Costa, Sílvia FerreiraEspacio sonoro y operación del sonido: Defski  Operación técnica de luz y vídeo: Pedro Fonseca Vídeo: Rodolfo Pimenta, Joana Torgal
Aderezos y plantilla: Joana Marques, Octávio Mourão Traducción de textos: Cristina Ribeiro
Producción ejecutiva: Celina Gonçalve

TINTO DE VERANO / TXOTX EKAINEAN 2012 "ORIGINAL Y COPIA"

TINTO DE VERANO / TXOTX EKAINEAN 2012  "ORIGINAL Y COPIA"

La FuNdicIOn, ya en la nueva edición de "Accidentes artísticos para la creación", propone ORIGINAL Y COPIA, con el Colectivo 96º por un lado y con Rosa Muñoz  + Sofia Asencio por otro.

ORIGINAL Y COPIA  es un  espacio de investigación sobre materiales ya construidos y que  se prestan a la deconstrucción.


PRESENTACION ORIGINAL
25 – 26 de mayo a las 20:00h.  27 de mayo a las 19:00h. TEATRO
COLECTIVO 96º  / Barcelona
“Fingir”  Lidia González Zoilo


PRESENTACION COPIA
1 – 2 de junio a las 20:00h.  3 de junio a las 19:00h. TEATRO
COLECTIVO 96º + ARTÍSTAS LOCALES


PRESENTACION ORIGINAL
8 – 9 de junio a las 20:00h.  10 de junio a las 19:00h. DANZA
ROSA MUÑOZ   / Barcelona
“John, Johnny” Rosa Muñoz – Sofía Asencio


PRESENTACION COPIA
15 – 16 de junio a las 20:00h.  17 de junio a las 19:00h. DANZA
ROSA MUÑOZ  + ARTISTAS LOCALES  

Os  invitamos  a  participar  en  el  Taller  de  investigación  que  organiza
La  Fundición  con  Colectivo 96º

ORIGINAL Y COPIA  es un  espacio de investigación sobre materiales ya construidos y que se prestan a la decostrucción. 

El  25,  26  y  27  de  mayo  podremos  ver  en  la  Sala  La  Fundición  la  pieza  FINGIR  de Colectivo 96º 

La  semana  siguiente a  la  muestra,  se realizará  un  taller  bajo el  nombre de ORIGINAL  Y COPIA donde se hace un  trasvase de conceptos estéticos  y  teóricos sobre el  trabajo de Colectivo 96º en la pieza FINGIR para llegar a otro lugar.

• Los participantes tendrán como material de trabajo la  pieza  Fingir y al Colectivo 96º a  su servicio.

• El máximo de participantes será 5 personas.

• Los participantes pueden  venir de cualquier  disciplina  ya que más ecléctico sea  el  grupo más interesante nos resultará a todos.

• Los  interesados  en  participar  pueden  enviar  un  mail  a  colectivo96grados@gmail.com presentándose como participante.

• El Taller ser  realizará del 28 de mayo al 1 de junio de lunes a  viernes de 10.00h a  17.00h. 

• Del  1 al  3 de junio,  viernes,  sábado y domingo. Sería  una  muestra  abierta  al  público con charla y vino incluido.

“FINGIR”
Fingir  pretende ser  una  ironía  sobre la  propia  acción  de representar.  Todo acto escénico es en sí  mismo una  representación  de la  realidad, Colectivo 96º quieren  llevarlo un  poco más  allá  creando  unas  reglas  de  juego  donde  absolutamente  todo  lo  que  ocurre  en escena son representaciones de la propia obra que el espectador está viendo.
La  mentira,  la  ficción,  la  realidad,  la  verdad…  son  algunos  de  los  conceptos  que  más preocupan  a  la  nueva  escena  teatral,  ya  que  en  la  escena  actual  se  trabaja  muy   a menudo en  una  línea  autobiográfica  y  se rompe con  la  idea  de  personajes  y  trama  y se intenta  hacer  untrabajo más directo donde el actor  no representa  sino presenta, donde el espacio dramático no existe se hace evidente la sala de teatro, donde el espectador es un actor más porque se le hace presente y cómplice de cuanto ocurre en la escena.


A Colectivo 96º les interesa esa nueva  relación que se ha  creado con el público donde se intenta  que el teatro sea  una  experiencia más real, algo tan presente e inmediato que les hace  olvidarse de que se trata  igualmente de otra  convención  e incluso de que el  teatro siempre ha sido una mentira. Un lugar privilegiado donde mentir es lo natural.

RESIDENCIA de APROXIMACIÓN COREOGRAFICA:
Original y Copia / John, Johnny


El planteamiento es disponer e informar a los talleristas de las reglas del juego en las que basamos la pieza y que las personas que participan en la residencia vivan la experiencia de acatar esas reglas y practicar el juego. A partir de ahí Sofia y yo iremosdando forma, observando qué ocurre y dibujando las bases de loque será la presentación, dejando a la sensibilidad del grupo y a su búsqueda las zonas más abiertas de improvisación.


Vamos a trabajar con referentes musicales sentimentales muy característicos: mitos musicales. Esa es la base de John, Johnny, cerrar los ojos durante 50 minutos y recibir una sorpresa sonora dependiendo de en qué lugar del espacio la persona se sitúa. El público, a los 4 lados, sirve de límite y de cierta orientación a ese ser frágil en su ceguera.


Para esta construcción inmediata de la pieza es muy importante la observación y el respeto mutuo de las reglas del juego.
Existen pequeñas acciones muy simples prefijadas que aparecen obedeciendo una indicación sonora concreta.


• El Taller ser  realizará del 11 de junio al 15 de junio de lunes a  viernes de 10.00h a  16.00h. 
• El máximo de participantes será de 7 personas.
• Del  15 al  17 de junio,  viernes,  sábado y domingo. Sería  una  muestra  abierta  al  público con charla y vino incluido.


Me interesan 7 cosas al trabajar:


• Que los participantes busquen y traigan sus mitos musicales. Asi durante esos días construiremos una nueva lista de reproducción en el ordenador para utilizarla con ellos.
• Crear un mapa–recorrido en el suelo con los posters, fotos, escritos, elementos o símbolos sobre esos mitos, como una portada de la revista SuperPop o una pared de una habitación de un adolescente.
• El trabajo con ojos cerrados. Otra vez el concepto del placer y cierto ensimismamiento que hay que aprender a conjugar con la construcción escénica a ciegas. Trabajar con ojos cerradostodo el tiempo a modo de sensor analógico e introducir los temas musicales dependiendo de donde me sitúo en mi traslado.
• No crear una pieza con sus diferentes escenas. Componer de otra manera. Plantear una única acción y llevarla hasta el final. Buscar las pequeñas acciones fijadas que sirven de guía temporal y que definen momentos en una estrutura muy liviana.
• Trabajar la independencia cuerpo-música y plantear el mínimo movimiento, posiciones, materiales físicos o acciones que se mantienen.
• Intervención del azar teniendo muy claras las reglas del juego.
• El concepto de voyerismo, de ser observado. Es como si estuvieramos dentro de una pecera, en un submundo aislado.

Un nuevo Proyecto de Internacionalización DO OUTRO LADO / AL OTRO LADO

Un nuevo Proyecto de Internacionalización
DO OUTRO LADO / AL OTRO LADO

Siempre nos ha gustado crear conexiones, siempre nos ha gustado colaborar con la creación, abrir espacios para su desarrollo. No creamos ni producimos: nos gusta ser puente, conceptual y geográfico, elemento catalizador que facilita encuentros, procesos y su visibilidad.

Y en este camino, qué suerte, nos hemos encontrado con Quarta Parede y su festival Y(ipsilon) en Covilha-Portugal, que en palabras de Rui Sena, su director es “Un festival de artes performativas que desde su inicio se ha relacionado con el teatro y la danza en sus formas mas contemporáneas. Al mismo tiempo ha ido conjugando lo clásico con lo contemporáneo, llevando a acabo ese vinculo tan importante entre la memoria y la creación en la región de Beira Interior. Es un festival que busca ese lugar para la pluralidad, la multidisciplinareidad y la complementariedad con sus acciones, ya sean espectáculos, talleres de formación, muestra de video-danza, debates…”

Coincidimos en muchas cosas y nos planteamos colaborar uniendo dos puntos del mapa : Colvilha y Bilbao. Desde aquí, un puente con Portugal.

Cómo: con un acuerdo de intercambio para la movilidad. 

Cuándo y dónde: La Fundición les invita a su programación en abril, y

Quarta Parede invita a su festival Y(ipsilon), en mayo, a dos compañías vascas. 

Quiénes y qué: Quarta Parede acerca a Bilbao su “Gota a gota”. 

Horman Poster  con “Pasado perfecto” y Matxalen Bilbao con“Sast!” 

van a Covilha.

Estamos expectantes. El inicio de una colaboración siempre hace volar los pensamientos, que llevan lejos y que pueden generar multiples fórmulas …. Tendreis más noticias.

Y (ipsilon) 10

“Cada nueva generación , cada hombre nuevo debe redescubrir laboriosamente la actividad de pensar” Hannah Arendt

“No son tiempos fáciles para el arte éstos que estamos viviendo. Es dificil para los que habitan diariamente las sensibilidades, las emociones, la creatividad, el pensamiento…, hacer de sus valores una herramienta de progreso, pese a que la historia demuestra que esa actividad laboriosa viene a cambiar la faz del mundo. No es fácil pues, cuando el mundo está en manos de tecnócratas insensibles. Es en este contexto que vamos a realizar la próxima edición de Y (ipsilon), creando lugar para la imaginación y los sueños que los artisitas son capaces de transmitir en las situaciones mas adversas, cuestionando, provocando o contestando…, los componentes inseparables del arte”. 

Rui sena – Quarta Parede

ZOO - THOMAS HAUERT / Bruselas

31 de Marzo a las 20:00h.  
1 de Abril a las 19:00 h

ZOO - THOMAS HAUERT / Bruselas
"Drum & Dance"


Presentación en coloración con MUELLE 3

Drum & Dance se creó en 2004 por iniciativa del músico belga Michel Debrulle. Le sugirió a Thomas Hauert trabajar sobre una forma corta improvisada, para la reapertura del Beursschouwburg in Brussels.

Mas allá de lo límites del estilo, los dos artistas improvisan libremente, inspirándose en la tradición, el folklore, el jazz y el contemporáneo. Juntos, pretenden redescubrir cada vez, de nuevo, esta tensión inicial, este cuerpo frenético formado por dos seres que comparten un proceso de creación instantáneo. El virtuosismo de Michel Debrulle consigue dibujar todos los cambios de ritmo y sonoridad de su equipo de percusión y de su espectacular Binche. Thomas Hauert recoge cada nota para convertirla en pulsación danzada. Los dos hombres se hacen uno, bailando un extraño ballet en torno a los instrumentos, ya que cada disciplina absorbe a la otra.

La pieza juega también con la proximidad y la distancia, entre los propios intérpretes y con la audiencia: habiendo nacido como una pieza para espacios informales, no teatrales, su dinámica permite al público definir los límites de un escenario fluído, incluso en los lugares mas formales. Eliminando la cuarta pared, Thomas y Michel invitan a sus acompañantes a vivir la música y la danza de una forma directa y visceral.

Tras las primeras presentaciones en el Beursschouwburg en Brussels, Drum & Dance ha pasado por una gran variedad de lugares diversos como el Paseo de la Royal Gallery de Ostende, una plaza en la ciudad de Bologna, el teatro Virgilio Sieni en Florence, un estudio para ensayos en la Cartoucherie de Vincennes, el hall del Concertgebouw en Bruges...

Concepto: Michel Debrulle y Thomas Hauert 
Danza: Thomas Hauert
Música: Michel Debrulle
Iluminación: Jan Van Gijsel
Producción: ZOO
Con el apoyo de : Fédération Wallonie-Bruxelles - Service de la Danse, Pro Helvetia - Swiss Arts Foundation, Vlaamse Gemeenschapscommissie, Wallonie-Bruxelles International
ZOO es Compañía Residente en el Kaaitheater (Brussels) y en Charleroi/Danses, Choreographic Center of the Fédération Wallonie-Bruxelles




"Space In" Film

El artista plástico Boris Van der Avoort y su hermano Aliocha, el compositor de la música de esta película, unieron sus fuerzas con ZOO, la compañía del coreógrafo Thomas Hauert. El resultado es Space in, un trabajo sorprendente que utiliza las imágenes para analizar el movimiento.

Precisamente por este particular interés en el movimiento, el video-artista, que había trabajado ya con otros coreógrafos como Anne Teresa de Keersmaeker, se cuestionaba cómo aproximarse más a la estructura de la coreografía. Sobre la base de una serie de dibujos de Thomas Hauert, Boris Van der Avoort esbozó una gran cantidad de formas. Filmó coreografías para cinco bailarines en un estudio, dejando espacio para zonas de incrustación donde incluyó representaciones gráficas de las de las coreografías de Hauert.Con la intención de sacudirse de la espiral gráfica, filmó a los bailarines de perfil, caminando o en otros movimientos. Este material se procesó con un programa de animación, mostranto a los bailarines en movimiento continuo, movimiento lento. Otras imágenes se inspiran en el diseño gráfico urbano, y muestran a los bailarines en diversos movimiento de rotación en medio de cualquier lugar. Partiendo de estas múltiples perspectivas y estructuras coreográficas, Space in nos arrastra hacia un lugar muy próximo a los propios movimientos.

Dirección: Boris Van der Avoort 
Danza, creada y presentada por: Thomas Hauert, Sara Ludi, Mark Lorimer, Pascale Gigon, Mat Voorter 
Música: Aliocha Van der Avoort 
The credit for the picture of Space In is: © ZOO / Boris Van der Avoort

RESIDENCIAS Invierno 2012
24 de Marzo a las 20:00h / 25 de Marzo a las 19:00h

HORMAN POSTER / Bilbao
"Pasado perfecto"

"(...)artistas que parten de su pasado, sus raíces y temáticas socio-políticas para desarrollar su trabajo (...) la pieza Pasado perfecto de la pareja Horman Poster repasa los acontecimientos de los años 70 con recursos mínimos y desde el corazón."
Agus Perez, Berria 2011/11/08
Estrenado el 28 de Octubre de 2011 dentro del festival BAD de Bilbao

¿Cómo recordar lo que no has vivido? ¿Con imágenes? ¿Qué podemos recordar? ¿Sólo imágenes? Pasado perfecto es una composición de la memoria en blanco y negro. Un recorrido por los años 70 que nos marcaron y al mismo tiempo desconocemos: ¿cómo fueron esos otros años de infancia, de violencia, de inconsciencia?

Creación: HORMAN POSTERInterpretación: Matxalen de Pedro e Igor de QuadraAsistencia artística: Ana BuitragoProducción: HORMAN POSTERIluminación: MilakamoonFotografía: Ander LauzirikaVídeo: Marcell Erdélyi

Espectáculo subvencionado por: Gobierno Vasco
Coproducido por: Festival BAD
Con el apoyo de: Artea, Azala espacio de creación, Centro cívico de Cruces, Ayto. de Plentzia, Muelle 3 y La Fundición

Festival DANTZALDIA 2012 

21-22 de Marzo a las 19:00  /  ZeroEspazioa - Museo Guggenheim Bilbao
BASTARDPRODUKTION / Estocolmo  TOVE SAHLIN & DAG ANDERSSON 
"Roses & Beans"

Roses and Beans es una performance que juega con los aspectos privados y políticos del amor desde una perspectiva pop.
Roses and Beans es a la vez un evento social y una performance que habla de cómo vivimos y organizamos el amor.
Con mejillas sonrosadas, cuerpos que flirtean y algunas canciones de amor cantadas al ritmo de una caminata básica y muy marcada, metemos la cabeza en el fregadero de la cocina mientras estudiamos las relaciones de pareja como institución y como templo del éxito.
Los performers nos invitan a una fiesta privada en una sala de estar vacía, entre parpadeos de ojo, codos afilados y corazones blanditos.
Todos juntos, compartimos un momento muy especial y la dulce tarta especialmente preparada para el romance.

Roses and Beans toma su punto de partida en la impactante fuerza de la cultura pop, asociada a unos siempre presentes coros que cantan al amor, las relaciones y al sexo. ¿Cómo componemos nuestras canciones de amor? ¿Podemos crear otras historias cuando no queremos vivir las que ya hemos oído? Tove y Dag toman prestados varios extractos de las vidas de otras parejas como Marina y Ulay, John y Yoko o Brad y Angelina. El material coreográfico de la sala de estar de Roses and Beans es un acto de curiosidad y de estricta igualdad, medida con cada paso que damos y cada movimiento que hacemos («every step we take and every move we make»).

Coreografía e interpretación: Tove Sahlin y Dag AnderssonFotos: Ela Spalding y Moa Thambert Con el apoyo de: Estudio Nuboso, Ponderosa Tanzland, Dans i Värmland

Subvencionado por: The Swedish Arts Grants Committee, Swedish Arts Council y The Culture Committee of Stockholm

RESIDENCIAS Invierno / OLATZ DE ANDRES

RESIDENCIAS Invierno 2012

17 de Marzo a las 20:00h. / 

18 de Marzo a las 19:00 h

OLATZ DE ANDRES / Bilbao
“Privolva"

Privolva es una pieza con un toque retro-futurista. 

Privolva juega con unos cuerpos que se homogeneizan. Privolva se ubica en un espacio indefinido, multidimensional y poético.

La pieza parte del interés por trabajar con recursos fílmicos que ayuden a crear un espacio paralelo. Un espacio donde tres cuerpos se sustituyen, se limitan, se complementan y generan un modo particular de funcionar... 1, 2, 3, 1, 2, 3, 1, 2, 3, 1, 2, 3, 1, 2, 3, 3, 3, 2, 3, 1, 1, 1, 1, 3, 2, 2, 3, 1, 2, 3, 1, 2, 3, 1, 2, 3, 1, 2, 3 y se preguntan sobre lo qué van olvidando.

Privolva significa el otro lado de la luna, el que nunca podemos ver desde la tierra. (Kepler).
Material fílmico tratado: Alphaville (J.L.Godard).

Idea y dirección: Olatz de Andrés Creación e interpretación: Pilar Andrés, Isaac Erdoiza, Olatz de AndrésAsistencia externa: Igor de Quadra e Izaskun Santamaría Espacio sonoro: Jose UrréjolaIluminación: Gabo Punzo Vestuario: Leire Orella Diseño visual del texto: Raquel DuranDistribución: Portal 71Producción: Muelle 3 Espacio de Danza y Creación Co-producción Festival BAD’11 (Bilbao)

Residencias de creación: L’animal a l’esquena (Girona) y La Fundición (Bilbao)

Proyecto subvencionado por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco.

Festival Dantzaldia 2012 / BASTARDPRODUKTION

21-22 de Marzo a las 19:00  

ZeroEspazioa - Museo Guggenheim Bilbao


BASTARDPRODUKTION / Estocolmo  TOVE SAHLIN & DAG ANDERSSON
"Roses and Beans"

Roses and Beans es una performance que juega con los aspectos privados y políticos del amor desde una perspectiva pop.

Roses and Beans es a la vez un evento social y una performance que habla de cómo vivimos y organizamos el amor.
Con mejillas sonrosadas, cuerpos que flirtean y algunas canciones de amor cantadas al ritmo de una caminata básica y muy marcada, metemos la cabeza en el fregadero de la cocina mientras estudiamos las relaciones de pareja como institución y como templo del éxito.
Los performers nos invitan a una fiesta privada en una sala de estar vacía, entre parpadeos de ojo, codos afilados y corazones blanditos.
Todos juntos, compartimos un momento muy especial y la dulce tarta especialmente preparada para el romance.

Roses and Beans toma su punto de partida en la impactante fuerza de la cultura pop, asociada a unos siempre presentes coros que cantan al amor, las relaciones y al sexo. ¿Cómo componemos nuestras canciones de amor? ¿Podemos crear otras historias cuando no queremos vivir las que ya hemos oído? Tove y Dag toman prestados varios extractos de las vidas de otras parejas como Marina y Ulay, John y Yoko o Brad y Angelina. El material coreográfico de la sala de estar de Roses and Beans es un acto de curiosidad y de estricta igualdad, medida con cada paso que damos y cada movimiento que hacemos («every step we take and every move we make»).

Coreografía e interpretación: Tove Sahlin y Dag AnderssonFotos: Ela Spalding y Moa Thambert Con el apoyo de: Estudio Nuboso, Ponderosa Tanzland, Dans i Värmland

Subvencionado por: The Swedish Arts Grants Committee, Swedish Arts Council y The Culture Committee of Stockholm

FESTIVAL DANTZALDIA 2012 

14 - 15 de Marzo a las 19:00h  /  Sala Rekalde
Entrada libre hasta completar el aforo

ZINEBI / MI CUERPO SE MUEVE III
"La danza y sus imágenes en el cortometraje contemporáneo"

ZINEBI PRESENTA EN DANTZALDIA UNA SELECCIÓN DE PELÍCULAS DE SU ÚLTIMA EDICIÓN QUE INVESTIGAN SOBRE LOS CUERPOS EN MOVIMIENTO Y LA DANZA CONTEMPORÁNEA 

Por tercer año consecutivo, la muestra titulada “Mi cuerpo se mueve”. La danza y sus imágenes en el cortometraje contemporáneo” incluye 7 cortometrajes cuyo denominador común es su reflexión sobre las posibilidades plásticas y expresivas del cuerpo humano en movimiento.

Esta muestra podrá verse en la Sala Rekalde, los días 14 y 15 de marzo, a partir de las 19.00 horas, con entrada libre.
Las dos sesiones arrancarán con una pieza coreográfica breve titulada   “¿Hasta dónde?” de Projects in movement / Sharon Fridman. 

El Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao (ZINEBI) presenta en el marco de la XIII edición de Dantzaldia, que organiza La Fundición, una selección de películas, inscritas en su última edición, que tienen como denominador común su investigación –desde perspectivas estéticas y de género diferentes– acerca de las posibilidades iconográficas del cuerpo humano en movimiento y su exploración de un territorio fronterizo entre el cuerpo que comienza a moverse y la danza entendida como expresión artística con un lenguaje propio.

Las dos sesiones que integran la muestra “Mi cuerpo se mueve. La danza y sus imágenes en el cortometraje contemporáneo” presentan al público bilbaíno siete cortometrajes –de ficción, documentales y de animación– procedentes de Canadá, Estados Unidos, Gran Bretaña, Bélgica y Francia, que se proyectarán los días 14 y 15 de MARZO en la Sala Rekalde, a las 19.00 horas, con acceso gratuito.

Las proyecciones tendrán como prólogo una pieza coreográfica breve titulada "¿Hasta dónde?", dirigida por Sharon Fridman. Esta pieza es un extracto de 20 minutos de la obra “Al menos dos caras”, que recibió el pasado año el primer premio en el prestigioso Certamen Coreográfico Burgos-Nueva York, en la categoría de Danza Moderna, además del Premio del Público. La pieza está interpretada por Friedman y Arthur Bernard.

La programación arrancará el próximo MIÉRCOLES (día 14) con la proyección del documental “Equi Voci. Danser Ravel & Debussy” (Thierry De Mey 2011. 59’00’’. Bélgica.) y “Falling” (Adriano Cirulli. 2011. 03’30’’. Gran Bretaña.

La proyección del JUEVES (día 15) incluye cinco cortometrajes: “Wayne McGregor, a Moment in Time” (Catherine Maximoff . 2011. 30’00’’. Francia); “Lost Action: Trace” (Marlene Millar / Crystal Pite / Philip Szporer. 2011. 04’00’’. Canadá); “The Collection” (Rosane Chamecki / Andrea Lerner / Phil Harder. 2010. 05’00’’. EE.UU); “Ora” (Phillippe Baylaucq. 2011. 15’30’’. Canadá) y “Red Shoes” (Lorenzo Recio. 2011. 08’00’’. Francia).

LA FUNDICIÓN
A primeros de febrero arrancó la decimotercera edición del Dantzaldia, un programa de gran prestigio y proyección internacional en el campo de la danza contemporánea que organiza La Fundición, el veterano espacio cultural de Bilbao dedicado a las artes escénicas, que cumplió 25 años en 2011 y mantiene una programación estable en su sala de Deusto a lo largo de todo el año, con una media de 30 espectáculos.

Programa: Residencia 2012
10 de Marzo a las 20:00h / 11 de Marzo a las 19:00h
IGOR CALONGE / Donostia
“Insomnio”

Durante la noche me despierto sobresaltado, aparto las sábanas y salgo de la habitación, el cielo que veo por la ventana no es el mismo que recuerdo cuando me acosté…las calles tampoco.

El cuerpo desea dormir, la cabeza esta medio anestesiada, la realidad ha cambiado.

El hecho de no poder dormir no significa que estemos despiertos; la noche, en vela, crea más imágenes escénicas que el día; la obscuridad crea sombras más profundas, cavernas en el pensamiento, martilleado por desvelar las causas de su insomnio, y viviendo una realidad confusa, a medio camino del surrealismo onírico y el temor nocturno.

“Insomnio” reúne a dos hombres en escena.

A través de la danza y la fisicalidad de las acciones, se va desgranando la relación de ellos con el medio: Un espacio nocturno, inundado de paisajes surrealistas.

Coreografía y Dirección: Igor Calonge
Intérpretes: Gabriel F., Igor Calonge
Escenografía y Vestuario: Cía. Cielo raso
Iluminación: Pedro Fresneda
Producción: Igor Calonge

FESTIVAL DANTZALDIA 2012 

8 de Marzo a las 20:00h / Auditorio Alhóndiga

COMPAGNIE DERNIÈRE MINUTE - PIERRE RIGAL / Toulouse
"Erection"

Pierre Rigal - Aurélien Bory

érection: (dic.) nombre 

1. Acto o proceso de erigir algo: construcción.

2. Algo erecto.

3. Fisiología: estado firme y turgente y en posición erecta de la parte previamente fláccida del cuerpo de tejido cavernoso al dilatarse dicho tejido por la acción de la sangre.

Un hombre tumbado en el suelo nos contará la historia del tránsito de la posición horizontal a la vertical.

El hombre, caminando como un funambulista.

Un hombre solo, tumbado, inscrito en un rectángulo verde eléctrico. Un espacio-tiempo indefinido. Un corazón que crece, un cuerpo que hace intentos. Un mecanismo que sube, intentando mantenerse, moviéndose hacia delante a golpes de sonido. Usando la cabeza, la pelvis, los pies. Como un hombre colgado del suelo que sueña caminar en el aire. Lo intenta y lo intenta, desde el punto muerto a la decisión, comete errores, cae, se aventura otra vez, siempre llevando más lejos los limites de la especie.

A veces medusa, con sus frágiles filamentos, a veces cocodrilo avanzando silenciosamente, esta extraña criatura consigue erguirse, como un Icaro sin alas, como un ciborg que descubre a su doble...

«Como en una Odisea, cuento filosófico e historia de ciencia ficción, érection quiere hacer el seguimiento de la evolución humana. En un escenario completamente vacío, acompañado por el sonido y los efectos de video creados en tiempo real, Pierre Rigal "baila" el animal-hombre, el individuo-hombre y el hombre-social, todos a la vez, mostrando las tres versiones de su intento de ponerse de pie. ¿Cómo fue el comienzo de la vida? ¿Cómo fue su evolución? Muchas preguntas que complican la aventura de esta criatura llamada hombre, que camina como un funambulista, triste payaso de los tiempos. Así de simple».Christelle Longequeue para La lettre du TNT - Toulouse, Noviembre 2003. 

Concepción, coreografía, interpretación y video creación: Pierre RigalConcepción y producción artística: Aurélien BoryMúsica y creación sonora: Sylvain Chauveau, Joan Cambon, ARCAVestuario: Sylvie MarcucciIngeniero de sonido y jefe de escena: George DysonIngeniería de video: Nihil bordures

Coproducción: Compagnie Dernière minute / TNT - Théâtre National de Toulouse Midi-Pyrénées
Con el apoyo de: DRAC Midi-Pyrénées, Conseil Régional Midi-Pyrénées, Conseil Général de la Haute-Garonne, la ciudad de Toulouse y CDC Toulouse Midi-Pyrénées
Con la colaboración de la Fondation BNP Paribas para el desarrollo del proyecto.

FESTIVAL DANTZALDIA 2012 

3 de Marzo a las 20:00h /  Sala BBK

MIZEL THÉRET / Biarritz
"Je me souviens... Oroitzen naiz... Recuerdo..."
 Philippe Oyahamburu, Koldo Zabala, Jean Nesprias, Mizel Théret

"L'eau nouvelle qui jaillit de la vieille source"
"Iturri zaharreko ur berria"
"El agua nueva que brota de las viejas fuentes"

"Para esta creación he querido reunir a tres bailarines excepcionales, que actualmente son mayores: Jean Nesprias (84 años), Philippe Oyamburu (90 años) y Koldo Zabala (75 años). Los tres tienen en común el haber dedicado su vida a la danza (al mismo tiempo que a la cultura vasca) en cuerpo y alma, impulsados por un "fuego sagrado" que sigue ardiendo en su interior.

Esta creación no es un intento de rendirles homenaje, ni de lanzar una mirada nostálgica sobre sus respectivos recorridos sino mostrar lo profundo de su humanidad.
Esta obra intimista está impregnada de lentitud y suavidad, se basa en gestos minimalistas. Así es como los tres bailarines van a andar, caminar, sentarse, tumbarse, levantarse, esbozar "pasos" de danza, respirar, mirar, hablar un poco de ellos... Permanecer inmóviles, apoyarse los unos en los otros...
Por otra parte, el tema del envejecimiento del cuerpo del bailarín, como el de la memoria del cuerpo, es el centro de esta creación.
Una obra totalmente contemporánea, guiada por tres personalidades colosales de la danza del País Vasco, a través de la verdad de sus cuerpos nos van a transmitir un mensaje de fuerza y de esperanza" Mizel Théret.

Dirección de proyecto: Mizel Théret
Intérpretes: Philippe Oyhamburu, Jean Nesprias, Koldo Zabala , Mizel Théret
Coreografía: Mizel Théret
Música: Anjel Illarramendi (extractos de la 7ª sinfonía), Polofonías Vascas contemporaneas (Javier Bello-Portu, Javier Busto), Mikel Laboa, Iñaki Salvador, Pello Ramirez , Arvo Part...
Iluminación: Frédéric Bears

Coproducción: Centre Chorégraphique National d'Aquitaine en Pyrénées-Atlantiques, Malandain Ballet Biarritz ; Instituto Cultural Vasco ; BALLET - T Centre Chorégraphique Transfrontalier Biarritz / San-Sebastián